Nouvelle Vague

El cineasta norteamericano Richard Linklater se traslada a Francia para ofrecer a los galos un homenaje a una parte sustancial de su cine patrio: la “Nouvelle Vague”, esa corriente cinematográfica nacida en las entrañas de la revista “Cahiers du Cinéma” que intentó en los años sesenta reformular el cine desde posicionas heterodoxas. El gran representante de aquella nueva ola fue Jean-Luc Godard, la figura en la que se centra la película. El rodaje de Al final de la escapada es recreada por Linklater con rigurosidad en personajes y escenarios; a ratos divertida, las excéntricas ideas y actitudes de Godard se prestan a ello, a ratos ilustrativa de lo que eran aquellas nuevas ideas, de cómo contar historias y ponerlas en celuloide se podía convertir en un caos creativo, un caos que si quedaba evidenciado en la pantalla debía ser por un reflejo necesario de la realidad. Destacadas personalidades de esa década tan influyente, el propio Godard, Truffaut, Melville, Chabrol, Rohmer, y un largo etc., pasan delante de la cámara de Linklater para mostrar la fauna humana que intentó revolucionar el lenguaje del cine. Muy recomendable para recién llegados al conocimiento de la ola sesentera, imprescindible para sus admiradores e incondicionales.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Lemmy contra Alphaville

El Jean-Luc Godard de los sesenta del siglo pasado experimentaba con cualquier género -musical, drama, comedia, social, político- y en el 65 se decidió por la ciencia ficción. Por ello, podemos ir a Alphaville, la capital de un planeta distópico gobernado por un computador prácticamente omnisciente, el Alpha 60, que controla en nombre de la lógica las vidas de los habitantes privándolos de los sentimientos más primarios como el amor o el deseo y de ambiciones personales para convertirlos en seres insensibles fácilmente dominables.

El cineasta francosuizo muestra un destacable talento para la anticipación; durante los casi cien minutos de narración nos habla de inteligencia artificial (en un remedo de Hal 9000, el ordenador rebelde y asesino de "2001: Una odisea del espacio" del entonces futuro 1968), de la tecnificación deshumanizadora, del aislamiento y de la insolidaridad, en fin, de muchas de esas problemáticas que el nuevo milenio ha acentuado por la excesiva presencia en nuestra sociedad de internet y las redes sociales. Es seguramente la mejor obra de Godard, ha sido y sigue siendo gran influencia posterior, desde "Blade Runner" en la estética visual o la narrativa al estilo del cine negro, hasta "La naranja mecánica", "Matrix", "Dark City", "Gattaca", por citar unos pocos ejemplos.

Una opción, en definitiva, sustanciosa para el cinéfago capaz de hallar referencias previas o posteriores a la aparición de la película y pasarlo en grande al identificarlas y, si se presta, polemizar con otros afectados por eso del séptimo arte.

Puntuación @tomgut65: 8/10

El desprecio

El renombre alcanzado por Jean-Luc Godard en los inicios de los años sesenta, tras debutar con Al final de la escapada y convertirse en un cineasta prolífico hasta su muerte en 2022, le aupó a dirigir una producción de primer nivel con la rutilante estrella del momento Brigitte Bardot y otras destacadas figuras internacionales como Michel Piccoli, Jack Palance y su admirado maestro, el director Fritz Lang interpretándose a sí mismo. Una adaptación de la obra de Alberto Moravia que narra la crisis del matrimonio entre un guionista (Piccoli) y su esposa (Bardot) durante la preparación de un rodaje. Relato agridulce sobre las entretelas del cine salpicado de vibrantes diálogos sobre la creatividad artística, los celos y el amor frustrado. Colores brillantes y lujosos escenarios enmarcan la acción y Godard muestra destreza en el manejo de una producción cara, aunque sin renunciar a su carácter propio a pesar de situarse en métodos más cercanos al cine convencional. Con el paso del tiempo la cinta ha ganado en consideración, pero al autor francosuizo no le sirvió para mantenerse en esa élite de los directores destinados al gran presupuesto, quizá porque él mismo no deseaba adentrarse en tales aguas procelosas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Vivir su vida

Drama social en el que Jean-Luc Godard relata la caída en el submundo de la prostitución de Nana -en la piel de la musa y pareja del director galo Anna Karina- tras ver malogrados sus sueños de convertirse en actriz. Doce secuencias, o cuadros, estructuran el film en el que Godard atenuó los preceptos libertarios de la nouvelle vague francesa que tan disciplinadamente había seguido hasta ese 1962, sin abandonar la libertad creativa y expositiva característica de la citada corriente artística, pero haciéndose más entendible, más accesible. Una obra cargada de filosofía, de la vital y de la académica, dura sin ser efectista ni tremendista, que posee un aire documental importante y mantiene plena vigencia como testimonio creíble. Fresca y, por supuesto, inusual, entonces y ahora.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El soldadito

Rodada en 1960 esta película no pudo estrenarse hasta 1963 por la censura política. En ella Jean-Luc Godard aborda el conflicto por la independencia de Argelia, el terrorismo y la guerra sucia; temáticas que el gobierno francés del momento no toleró que se llevaran a las pantallas, por lo menos durante esos tres años. Fue, además, el debut en el cine de Anna Karina, convertida ya en musa y posterior esposa del cineasta franco-suizo. "El soldadito", así se la conoce en España, sigue las reglas libertarias de la "nouvelle vague" para mostrar asesinatos, torturas y espionaje en Ginebra, uno de los campos de batalla subterráneos en aquellos años convulsos. Es, por tanto, un ejercicio de estilo para contar una historia convencional sobre violencia y traición frente al amor redentor, pero también una muestra de osadía por parte de Godard al cuestionar públicamente las posturas colonialistas francesas. Ahí radica el mayor aliciente de la película, sus cintas anteriores y posteriores si aportaron más a la renovación del lenguaje y de los géneros cinematográficos, aunque con el tiempo esa nueva ola acabara difuminándose en el mar del convencionalismo.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Pierrot el loco

Última colaboración de Jean-Luc Godard con Jean-Paul Belmondo -en aquel 1965 ya toda una estrella- y penúltima con Anna Karina -casi roto el matrimonio con el director- en una película de mayor renombre que impacto real en la historia del cine. Se la puede considerar una revisión, más que un remake, de la primera obra del cineasta: Al final de la escapada, en la que Belmondo tenía un papel prácticamente idéntico. Lo que entonces era frescura e innovación, entre la improvisación y la heterodoxia, ahora se ha convertido en reiterados discursos sin sentido aparente en el que el atrevimiento ya no es tal; desafío a unas reglas que el mismo Godard ya había deshecho anteriormente con superior fortuna. La etapa primeriza del creador francosuizo y la mejor de su prolífica carrera estaba terminando, aun llegaría alguna cinta destacable de este periodo, e iba hacia una fase de intenso compromiso político y, quizá por ello, menor interés artístico y, sobre todo, cinematográfico.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Made in USA

Jean-Luc Godard persistía en el método, o en su ausencia, de la Nouvelle Vague, el movimiento que ya se había convertido en sinónimo de rebeldía, experimentación e iconoclasia; una corriente que empezaba a dar síntomas de reiteración, de desgaste, aunque el cineasta francosuizo se negara a la rendición estilística. Un ejemplo de ello puede ser esta “Made in USA”, una nueva aliteración caótica, especie de retorsión del género policíaco, que protagonizó su hasta entonces musa Anna Karina en la última colaboración entre la actriz y el director. Lo bueno y lo menos bueno de Godard se reúnen en una trama confusa, no podía ser de otra manera, salpicada de los consabidos mensajes cinéfilos y, sobre todo, políticos sobre derecha e izquierda, comunismo contra fascismo, conceptos que formaban parte esencial de las motivaciones intelectuales del creador. Obligada cinta para adeptos, el resto puede prescindir.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Dos o tres cosas que yo sé de ella

Se agudizaban las inquietudes políticas de Godard, si bien siempre las tuvo su trayectoria ideológica se iba definiendo conforme avanzaba la década de los sesenta. En este film de 1967, una diatriba anticapitalista, la presión social y familiar, el consumismo y la ausencia de valores empujan a Juliette a la prostitución como remedio a las falsas necesidades creadas por el sistema. El cineasta francosuizo intercala consignas pro socialistas y comunistas, izquierdistas, en definitiva, que en su obra posterior aun serán más directas. El método seguía siendo el marcado por la “Nouvelle vague”, es decir, incumplimiento de cualquier norma narrativa o de continuidad en la búsqueda incansable de nuevas expresiones. Irregular de forma e irregular de resultado, es un punto de inflexión ideológica para Godard, ahí radica la mayor parte de su envergadura.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Al final de la escapada

Cine experimental o alternativo, carne para las salas de arte y ensayo tan en boga entre los modernillos en los sesenta; una película de Jean-Luc Godard según los parámetros que la "nouvelle vague" desarrollaba en la revista Cahiers du Cinéma desde los cincuenta. Nueva ola de cineastas que pretendían remodelar las formas cinematográficas buscando otras formas de expresión, siempre desde la admiración a los clásicos. El inicio, según cuentan las crónicas, fue esta ópera prima de Godard sobre las peripecias de un delincuente (Jean-Paul Belmondo) y su posible enamorada (Jean Seberg) en París. Como era de esperar alteró las reglas y convenciones fílmicas de continuidad, montaje y narrativas, no obstante, nadie ha de asustarse a priori si decide visionarla porque es de lectura accesible, desde procedimientos inusuales, ciertamente, pero en cualquier caso sugestiva y de primordial importancia e influencia posterior. Un hito indiscutible en la historia del cine.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Masculino, femenino

Mediados de los sesenta, Godard profundizaba en las ideas políticas de izquierdas, siempre desde una óptica escéptica, desencantada, aunque firme en los valores básicos de libertad, persecución de la utopía y de la búsqueda de alternativas a lo establecido. La plasmación de tales conceptos, y continuando el itinerario ácrata de la Nouvelle Vague, la encontramos en esta película de 1966 en la que el cineasta francosuizo habla de liberación sexual, de juventud desnortada, amor, desamor y de cultura popular e intelectualidad, la que siempre ha impregnado su obra. La protagoniza Jean-Pierre Léaud -habitual alter ego del otro grande de la nueva ola francesa, François Truffaut- que encarna a un joven idealista y mujeriego que vaga por la sociedad en pos de certezas. Podría parecer a primera vista una sucesión de banalidades insustanciales, pero su frescura y desvergüenza formal le aportan tanto valor como a cualquier otra obra anterior de Godard; de la magnitud de Banda aparte o Alphaville no es, y aun así se halla entre las de mayor significación en la etapa inicial y más creativa del prolífico director.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Banda aparte

Al final de la escapada y la película en cuestión, "Banda aparte" (1964), son las obras más célebres de Jean-Luc Godard. Forman parte de la etapa primeriza del cineasta francosuizo marcada por la escuela/tendencia denominada Nouvelle Vague que propugnaba la libertad estilística en un intento de renovar el lenguaje cinematográfico. Tres jóvenes, dos chicos y una chica -Anna Karina, musa y pareja del director- bordean la delincuencia buscando dar sentido a sus vidas en un divertido, absurdo y siempre calamitoso periplo expuesto por Godard como una aventura existencial propia de una juventud sin rumbo. Algunas de sus secuencias ya forman parte de la historia del cine como, por ejemplo, la coreografía que se marcan los tres protagonistas y que ha trascendido el tiempo hasta convertirse en icónica. No es una renuncia a la soltura y espontaneidad características del director en aquellos años, pero posee una estructura convencional accesible a un público más amplio y que aun mantiene una lozanía cautivadora.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La mujer casada

Jean-Luc Godard se propuso desentrañar la burguesía francesa a través de la figura de Charlotte, una mujer casada con un hombre adinerado; su vida oscila entre el marido, el amante, las frívolas preocupaciones sobre su físico y un embarazo no deseado. Godard volvía a ser un provocador, estaba demostrándolo una y otra vez durante su prolija década de los sesenta y en ese 1964 no iba a ser menos, ponía en cuestión los valores tradicionales del matrimonio y de toda la sociedad acomodada, un sistema basado en las apariencias y los convencionalismos que escondían una realidad hipócrita. A ratos discursiva -algo inevitable al hallarse inmersa en la corriente renovadora de la "Nouvelle vague"- y a ratos descriptiva -la cámara se centra continuamente en el cuerpo de la protagonista, el erotismo era otra forma de provocación, y en su entorno-, no posee la fuerza argumental de obras anteriores como "Vivir su vida" o "Banda aparte" y, aun así, mantiene una vigencia considerable a estas alturas del siglo XXI.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Una mujer es una mujer

Jean-Luc Godard inauguró con "À bout de souffle" (1960) el método Nueva Ola para un año después, en su tercera película, reincidir cambiando el molde a transformar, pasa de un drama policíaco a una comedia musical con la que se había convertido ya en su musa y posterior esposa, la bella actriz danesa Anna Karina. Las reglas seguían siendo las mismas: nada de corsés narrativos o técnicos, es decir, sin reglas, aunque remita directamente a un género entonces tan popular como pautado. Una propuesta audaz y atrevida -algunos desnudos femeninos corroboraban la fama libertina del cine francés en aquellos años- en una historia a la contra de la moral vigente, otra norma subvertida, y con varias bromas autorreferenciales que no evitan el tono irregular que desprende. Siendo para un público minoritario, el atractivo se halla en su carácter reformador y heterodoxo.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Exposición "Arte y cine. 120 años de intercambios" en CaixaForum Madrid

¿Hasta qué punto el cine fue concebido como un arte tanto plástico como narrativo? Arte y cine. 120 años de intercambios establece la porosidad entre estas disciplinas artísticas, un flujo fascinante, y hasta hoy ininterrumpido, de influencias e intercambios mutuos.

La exposición, organizada por la Obra Social ”la Caixa” en colaboración con La Cinémathèque française, invita al espectador a un juego de relaciones y asociaciones repleto de matices y de sensibilidad, con hallazgos que cambian nuestro punto de vista sobre películas y obras de arte que forman parte de nuestra memoria visual.

La muestra se ha estructurado en nueve apartados que permiten realizar un travelín por décadas, desde el cine primitivo hasta el cine digital y la imagen construida. Los hermanos Lumière aparecen junto a los maestros del impresionismo, Chaplin con los artistas de vanguardia, Dalí con Hitchcock, Jean-Luc Godard con Andy Warhol e Yves Klein..., hasta llegar a la época de las instalaciones y del videoarte. La selección de los materiales incluye desde films, videoproyecciones y videoinstalaciones, pasando por carteles, pinturas, dibujos, grabados y fotografías, hasta objetos, vestidos y libros de artista.

El punto de partida de la exposición lo forman los fondos de La Cinémathèque française, y se ha complementado con varias obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, y con piezas excepcionales de otras colecciones, galerías y museos.

"Arte y cine. 120 años de intercambios" se podrá visitar del 26 de abril al 20 de agosto de 2017 en CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36).

Exposición "Arte y cine. 120 años de intercambios" en CaixaForum

¿Hasta qué punto el cine fue concebido como un arte tanto plástico como narrativo? "Arte y cine. 120 años de intercambios" establece la porosidad entre estas dos disciplinas artísticas, un flujo fascinante, y hasta hoy ininterrumpido, de influencias e intercambios mutuos.

La exposición, organizada por la Obra Social ”la Caixa” en colaboración con La Cinémathèque française, invita al espectador a un juego de relaciones y asociaciones repleto de matices y de sensibilidad, con hallazgos que cambian nuestro punto de vista sobre películas y obras de arte que forman parte de nuestra memoria visual.

La muestra se ha estructurado en nueve apartados que permiten realizar un travelín por décadas, desde el cine primitivo hasta el cine digital y la imagen construida. Los hermanos Lumière aparecen junto a los maestros del impresionismo, Chaplin con los artistas de vanguardia, Dalí con Hitchcock, Jean-Luc Godard con Andy Warhol e Yves Klein..., hasta llegar a la época de las instalaciones y del videoarte. La selección de los materiales incluye desde films, videoproyecciones y videoinstalaciones, pasando por carteles, pinturas, dibujos, grabados y fotografías, hasta objetos, vestidos y libros de artista.

El punto de partida de la exposición lo forman los fondos de La Cinémathèque française, y se ha complementado con varias obras de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo, y con piezas excepcionales de otras colecciones, galerías y museos.

"Arte y cine. 120 años de intercambios" se puede visitar del 16 de diciembre de 2016 al 26 de marzo de 2017 en CaixaForum Barcelona (av. de Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8).

Información y entradas en la web de Obra Social "la Caixa": http://socialacaixa.es/arteycine

Hot Spot

Remedo de Alphaville, o un homenaje a esta fábula distópica de Jean-Luc Godard, o una copia descarada, o simplemente un parecido casual; en todo caso otra película sobre un futuro mal llevado por nuestros descendientes y una IA manejando todo el cotarro. El protagonista, una especie de estrella del rock oxigenada metida a investigador, el nudo, un asesinato y el desenlace una… Ida de olla polaca de estética hortera -a propósito, sin duda-, crítica social indirectamente directa, o viceversa, y muchas ganas de dar el cante en festivales en los que llamar la atención del friquismo. Aburrida no es, ni convencional como ha quedado claro, pasas un ratico a veces ojiplático y a veces enigmático, o psicodélico, o hiperbólico, o estrambótico, vamos que cualquier cosa menos indiferente. Aunque solo sea por todo eso se merece nuestro aprobado.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Presentación Festival de Cinema Fantàstic de Sitges 2014

"Cine de Patio" acudió a la cita en la sala Moragues del Born Centre Cultural en Barcelona.

Ángel Sala, director del festival, sintetizó lo más destacable del gran número de actividades y proyecciones que se desarrollarán del 3 al 12 de Octubre en Sitges, la capital de cine sci-fi y de terror como cada año. Entre todas resalta la presentación de la nueva película del canadiense David Cronenberg, “Map to the Stars”, protagonizada por, entre otros, Julianne Moore, John Cusack y Robert Pattinson, que ironiza el mundo del cine norteamericano. Además el festival dará a conocer la última obra del veterano y prestigioso Jean-Luc Godard titulada “Adieu au langage” en la que experimenta con el 3D. 

El cine español está presente con “REC 4: Apocalipsis” de Jaume Balagueró, muy esperada por los aficionados, en la inauguración, y “La distancia” de Sergio Caballero. También la producción de Alex de la Iglesia “Musarañas” de los directores Juanfer Andrés y Esteban Roel, que une el terror psicológico y la posguerra española. 

Pasarán por la muestra cintas vistas en Sundance y que han despertado gran expectación: “Under the Skin” de Jonathan Glazer con una sorprendente Scarlett Johansson de extraterrestre, “The voices” de Marjane Satrapi con Ryan Reynolds, “The Double” con Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska, adaptación de Dostoyevsky a cargo de Richard Ayoade, o “The Guest” de Adam Wingard junto a otras propuestas sobre las que la organización irá informando. 

El cine asiático, de gran importancia en el género fantástico de los últimos años, estará presente con obras como “That Demon Within” de Dante Lam, “The Midnight After” de Fruit Chan, “Mad, Sad and Bad” de Avie Luhtra y “One on One” de Kim Ki-duk entre otras muchas. 

A tener en cuenta también, en la sección Brigadoon, “Bombshell Bloodbath” de Brett Mullen, del género zombi, y “Dark Awakening” de Dean Jones. Y, como no, la presencia de documentales sobre Vicente Aranda, Eurocine (productora francesa de Jesús Franco y Jean Rollin) y el homenaje a la actriz española María Kosty, premio Nosferatu, que destacó en el cine fantástico nacional de los 60 y 70. 

El Gran Premio Honorífico del Festival es para el célebre, y comercial, director Roland Emmerich, especialista en el cine catastrófico y que ha destruido varias veces gran parte del mundo en cintas como “Independence Day”, “2012” o “El Día de Mañana”. 

Tienen su espacio en Sitges las producciones audiovisuales rodadas con smartphones y tablets y en Serial Sitges se revisarán algunas de las más destacadas series de televisión. Con la distinción Cine365Film se premiará al mejor cortometraje con 10.000 euros que deberán ser destinados por el ganador a la producción de un largometraje que será presentado en el Festival del 2015. 

Estas son algunas de las muchas actividades que podremos disfrutar en la próxima edición del Festival y que harán que los que acudamos no demos a basto ante la abundancia y calidad de las propuestas. Diez días de actividad frenética que todos gozaremos con una gran sonrisa en los labios.