Rashomon

Cuatro versiones distintas de un mismo hecho, cada una contradice a las otras; la memoria es frágil y los intereses particulares de los participantes y testigos deforman la realidad hasta ser imposible entrever la verdad. Estamos ante la primera pieza maestra que encumbró el prestigio de su director, Akira Kurosawa, a lo más alto. Motivos para ello no faltan, aunque tampoco faltan objeciones sobre una calidad sublime que el paso del tiempo puede haya aminorado, de cualquier modo, su valor histórico-cinematográfico es incuestionable. En la película se plantean cuestiones universales sobre el ser humano: si la bondad y la honradez le son inherentes o lo son la malignidad y la hipocresía, o si la violencia y la venganza tienen sentido en ciertos momentos. Planteamientos sombríos en los que la Humanidad no sale bien parada, pero sin renunciar nunca a percibir un fondo esencial de bondad que nos permite albergar esperanzas en un futuro mejor. Sobreactuada -como en el teatro tradicional japonés, el Kabuki- y con elementos fantásticos en el desarrollo narrativo, es de interés imprescindible para todo cinéfilo que se precie, como lo es, aun más si cabe, toda la filmografía de Kurosawa.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El estrangulador de Rillington Place

Tres años después de El estrangulador de Boston el cineasta Richard Fleischer repetía con un asesino en serie y el método de liquidación de las víctimas, la estrangulación. De nuevo un caso verídico, y como escenario de los crímenes el barrio londinense de Notting Hill: el “respetable” Sr. John R. Christie tenía la propensión a matar mujeres y esconder los cadáveres en su entorno más cercano como Dios, o el diablo, le daba a entender. Rodada en parte en la auténtica localización de los crímenes, la película exuda morbosidad enfermiza por su protagonista, el actor y director Richard Attenborough, tan letal como inocente en apariencia y por la réplica del no menos distinguido intérprete británico John Hurt como el humilde e ingenuo Tim Evans. Los sucesos reales dieron lugar a un notorio y terrible error judicial aun recordado en la Gran Bretaña actual. Como suele pasar en casos parecidos no todo queda aclarado definitivamente, pero de todas maneras el film proporciona una versión de los hechos coherente y fidedigna según afirman las fuentes históricas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Dos o tres cosas que yo sé de ella

Se agudizaban las inquietudes políticas de Godard, si bien siempre las tuvo su trayectoria ideológica se iba definiendo conforme avanzaba la década de los sesenta. En este film de 1967, una diatriba anticapitalista, la presión social y familiar, el consumismo y la ausencia de valores empujan a Juliette a la prostitución como remedio a las falsas necesidades creadas por el sistema. El cineasta francosuizo intercala consignas pro socialistas y comunistas, izquierdistas, en definitiva, que en su obra posterior aun serán más directas. El método seguía siendo el marcado por la “Nouvelle vague”, es decir, incumplimiento de cualquier norma narrativa o de continuidad en la búsqueda incansable de nuevas expresiones. Irregular de forma e irregular de resultado, es un punto de inflexión ideológica para Godard, ahí radica la mayor parte de su envergadura.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Demencia 13

Debut en la dirección de Francis Ford Coppola con un thriller auspiciado por el que fuera durante décadas representante máximo de la serie B y el cine de explotación: el cineasta, guionista, actor y productor Roger Corman. Gracias a él, también Scorsese, Bogdanovich o Cameron, entre otros, tuvieron la oportunidad de ser presentados en sociedad y abrirse camino en eso del séptimo arte. La demencia en cuestión la sufre una familia tras la muerte de la hermana pequeña, un trauma familiar cuyas secuelas arrastran madre y hermanos; al embrollo se añade una futura herencia. Coppola, autor además del guion y con apenas 23 primaveras, demuestra bisoñez e impericia agravadas por el escasísimo presupuesto en una historia pretendidamente de terror psicológico que se inclina en el último tercio por el gore, dentro, claro, de los límites que permitían la época, 1963, y la generosidad del que ponía la pasta, el señor Corman. Los inicios en un oficio siempre son duros, pero en este caso y por fortuna sirvieron para que ese chaval italoamericano de Nueva York pudiera posteriormente darle al mundo varias obras maestras.

Puntuación @tomgut65: 5/10

El estrangulador de Boston

Tony Curtis se topó con el papel de su vida al interpretar a Albert DeSalvo, el asesino en serie conocido como “el estrangulador de Boston”, que aterrorizó a la población femenina de esa ciudad los primeros años de la década de los sesenta. Curtis está espléndido, transmite en gestos y miradas el infierno interior que padece su personaje, esos oscuros impulsos que le empujan a matar. La película refleja solo una conjetura, entre muchas, de lo que sucedía en la mente de DeSalvo con suposiciones sobre una posible doble personalidad, cuando la realidad del caso fue, y sigue siendo, más compleja y ha dado lugar a diversas teorías sobre la auténtica responsabilidad de las trece muertes que se le atribuyeron. Aun así, el film reconstruye los hechos con bastante fidelidad, usando recursos en boga en la época de su producción, 1968: pantalla partida y cámara subjetiva, por ejemplo. Cinta cortante, dura y por momentos perturbadora, siempre dentro de la verosimilitud. Una joya que consolidó el género.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Calabuch

Entre el 1953 y el 1963 el genial Luis García Berlanga legó al cine español varias obras maestras: “Bienvenido, Mister Marshall”, “Los jueves, milagro”, Plácido o El verdugo. Cuatro maravillas entre las que intercaló una quinta en 1956 con el nombre por título de un pueblo costero imaginario, Calabuch, que era en realidad el castellonense Peñíscola. Berlanga elaboró una alegoría que idealizaba la vida en una pequeña comunidad de gente corriente, solidaria y apegada a sus tradiciones; un entrañable cuento pacifista en el que un personaje que ha contribuido a la guerra busca la redención y la paz alejado del mundo entre personas ajenas al militarismo y la belicosidad. Cinta coral, tal y como gustaba el ilustre cineasta valenciano, en la que brillan el costumbrismo y el humor candoroso de una fauna humana reconocible por el público como parte de la idiosincrasia española. Con los años la comicidad berlanguiana se iría avinagrando gradualmente, aunque sin perder nunca el fondo ácrata/humanista ni tampoco su carácter propio.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Ulises

Péplum de los muchos que aparecieron en los años cincuenta y sesenta en los que este subgénero se imponía con gran éxito de público, no tanto de crítica, la diferencia se halla en que su producción era de mayor calado al de la media, tanto a nivel conceptual, una base literaria clásica y prestigiosa, como en inversión económica; la mayor evidencia de ello es que encabezara el casting Kirk Douglas, toda una gran estrella americana, y algunos secundarios, asimismo, de relieve: Anthony Quinn, Rosana Podestà o Silvana Mangano, y se contaran con más medios técnicos o escenográficos de los habituales en ese tipo de productos. Hallamos en el film un Ulises arrogante y temerario que supera los obstáculos con ingenio y mucha fortuna aún a costa de la vida de sus hombres. Ingeniosa y entretenida película, que no desdeña los momentos trágicos, respetando su origen literario por encima, incluso, de lo esperable.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Rain Man

Se dice en los mentideros que interpretar a un discapacitado proporciona buenos réditos y reconocimientos a cualquier actor o actriz que afronte tal reto. Eso mismo se podría decir de Dustin Hoffman cuando encarnó al autista Raymond Babbitt en esta película, no en vano se llevó gracias a ese papel la preciada estatuilla dorada hollywoodense. La premisa se acerca bastante a la realidad, no obstante Hoffman ganó merecidamente la figura del calvo llamado Óscar pues su actuación es brillante, más aún, excelsa, muy por encima de cualquier otra parecida, antes o después de la aparición de la cinta en 1988. De hecho, por encima, además, de la propia película, una road-movie convencional con dos personajes dicotómicos que aprenden a entenderse mutuamente: Raymond y su hermano Charlie (Tom Cruise, también notable) forjan una historia de aprendizaje y conocimiento conmovedora y, precisamente por eso, facilona; aunque el espectador sea consciente de ello no podrá evitar unirse al coro emotivo. Lo mejor que ha dado al cine, con diferencia, el director Barry Levinson.

Puntuación @tomgut65: 7/10

La hora final

Un rutilante cuarteto de estrellas -Gregory Peck, Ava Gardner, Anthony Perkins y Fred Astaire- protagonizaron un film apocalíptico en el peor momento de la Guerra Fría, no en vano tres años después de la aparición de la obra, 1959, el mundo estuvo al borde del abismo con la crisis de loa misiles en Cuba. El film, dirigido por el competente Stanley Kramer, sitúa la acción en Australia, la única parte del mundo que aun sobrevive a un holocausto nuclear, pero condenada a que en unos pocos meses la radiación letal alcance la isla y acabe con los últimos seres humanos de la Tierra. Varios personajes afrontan la coyuntura a su manera, desde el máximo fatalismo, por lógica, hasta el hedonismo desatado para disfrutar todo lo posible de los días que restan.

La verdad es que la película no logra encoger el corazón de la audiencia, su tono es algo frío y desangelado, además unas cuantas escenas de emotividad desaforada no ayudan demasiado, pero hay que reconocer que el planteamiento argumental tiene una fuerza intrínseca considerable, la suficiente al menos para que se mantenga la expectación en todos de sus más de ciento treinta minutos. No estamos, en todo caso, ante una exhibición de imágenes epatantes con las que exacerbar la paranoia del público de la época, si no del retrato psicológico de unas personas que han de afrontar el fin propio y el del mundo en términos absolutos. Acertada obra que en otras manos no tan consideradas sería un productito para excitar terrores preexistentes.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Un fantasma en la batalla

Producida por y para Netflix, refleja la dureza sangrienta de aquellos años de plomo en los que los terroristas etarras golpeaban sin miramientos cualquier objetivo que consideraran adecuados para sus fines. Susana Abaitua interpreta con solvencia a la guardia civil que logra introducirse en el aparato de la banda, y el elenco de secundarios reflejan adecuadamente la irrespirable determinación fanática que impregnaba a esos militantes que tenían la violencia como método de una supuesta lucha por la libertad de “su pueblo”.

Si bien es algo inferior a la coetánea La infiltrada, no cabe menoscabar el esfuerzo de su director, Agustín Díaz Yanes, por reconstruir lo que significaba vivir en la clandestinidad y eludir las sospechas que podían amenazar la operación y, sobre todo, la vida de la agente infiltrada; encomiable como transmite la angustia y la tensión que implicaba vivir día a día con esa espada de Damocles sobre la cabeza. Esperemos que el cine español reincida en esta temática y que sirva para que la sociedad actual, y la del futuro, no olvide -que parece estar olvidando- lo que sucedió en esos casi sesenta años de existencia de ETA y los más de 850 muertes y miles de víctimas que dejó tras de sí.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Alguien voló sobre el nido del cuco

Una delgada línea separa la rebeldía de la locura, línea marcada por una sociedad reacia a aceptar a los inadaptados, los que no entran en los parámetros de la normalidad. McMurphy (Jack Nicholson) es esa locura del rebelde, y la enfermera Ratched (Louise Fletcher) el tope que pone el sistema a los indisciplinados. El enfrentamiento sucede en un hospital psiquiátrico, en realidad una prisión para quienes se salen de esas normas establecidas, en una película dura, muy dura en su tercio final, pero un canto al libre albedrío en los dos primeros. Si bien en todo momento el trasfondo es amargo, con esos personajes recluidos a la espera de la cura de sus mentes “enfermas”, la llegada de McMurphy y sus ansias de libertad será un nuevo rayo de esperanza que, por supuesto, la Srta. Ratched habrá de aplacar sin piedad. Impresionantes Nicholson y Fletcher, ambos ganaron el Óscar por sus interpretaciones, y no menos estupendos los secundarios, o sea, los locos que pueblan el centro, y el desenlace es de los que permanecen en la memoria para siempre. El coste de ser diferente sigue costando tanto o más que en aquel año 1975 en el que se rodó la cinta.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La leyenda del indomable

Papel a medida de Paul Newman, el de un granuja carismático y rebelde al que nada ni nadie logra doblegar. Y es que el actor norteamericano daba cuerpo a un recluso condenado a trabajos forzados dispuesto a llevar la contraria a cualquier tipo de jerarquía, sea la de sus propios compañeros en el presidio, sea la del alcaide y los guardianes. El tipo de personaje encantador, pícaro e irreductible que tan bien se le daba a Newman cuando su estrellato se hallaba en pleno ascenso, luego demostraría un talento y una personalidad que llegaban más allá de su carisma y atractivo. La cinta es un duro alegato contra el sistema penal americano que en aquellos años sesenta, según se narra, debía ser inhumano, sobre todo cuando la pena implicaba duros trabajos; es también una reivindicación de la dignidad del ser humano en cualquier circunstancia, incluso cuando se esté pagando por un delito o un crimen. El Luke Jackson que interpreta Newman es un paradigma del rebelde con causa, en línea similar a otras figuras célebres del cine y la literatura; nos vienen a la memoria dos bien indicativas: la de McMurphy (Jack Nicholson) en “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975) y la de Andy Dufresne (Tim Robbins) en “Cadena perpetua” (1994), entre otros muchos que ha dado el celuloide y el papel.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El nadador

Premisa peculiar la de esta película de 1968: Ned Merrill (Burt Lancaster), un maduro y adinerado hombre de negocios, decide cruzar el valle donde vive de piscina privada en piscina privada hasta su casa. Un recorrido en el que habrá de enfrentarse al balance de lo que ha sido su existencia en cada visita a las residencias de vecinos y amigos. Lo que empieza como un magnífico día de verano se ha de tornar en un angustioso golpe de realidad ante la impotencia del protagonista. Además de en las piscinas, el personaje se sumerge en un infierno tan inesperado como inapelable: la verdad de lo que es y ha sido su vida. Impresionante interpretación de Mr. Lancaster en una cinta iniciada por el director Frank Perry y finalizada, según cuentan las crónicas, por Sydney Pollack. Una obra, pues, que sufrió una intrincada elaboración, incluso al borde de ser anulada, pero de la que salió algo realmente notable, un drama psicológico que suscita muchas sensibilidades, nunca la indiferencia.

Puntuación @tomgut65: 8/10

M.A.S.H.

Una comedia sarcástica y de furibundo antibelicismo no era aceptable para el establishment gubernamental en aquel 1970, la guerra de Vietnam se hallaba en el clímax y polarizaba a la sociedad norteamericana. Por tanto, se trasladó la acción a Corea, un conflicto ya apartado en el tiempo, para evitar de ese modo cualquier intento de censura o veto desde el ejército o la Casa Blanca. El director, Robert Altman, se esmeró en la reconstrucción de los hospitales móviles, pero, sobre todo, en acentuar el carácter caótico y burlesco del sistema militar que pretendía reflejar el guion; continuas chanzas y payasadas se suceden durante el metraje, incluyendo las más agrias que no pasarían ningún filtro actual por su contenido machista y homófobo, junto a otras tan incorrectas como ofensivas a cualquier otra minoría o mayoría. Ha envejecido un poco mal y aun así mantiene potentes cargas de profundidad ácratas y antisistema muy adaptables a la realidad presente.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El torreón

Curiosa incursión de 1983 en el fantaterror del ahora prestigioso Michael Mann con un llamativo elenco actoral que incluye a Scott Glenn, Jürgen Prochnow, Ian MacKellen o Gabriel Byrne. Nazis, judíos y un maligno ente liberado se cruzan en una fortaleza/castillo/torreón en Rumanía (el título original, “The keep”, es traducido dependiendo del país, edición de video o capricho del mandamás de turno). Los enormes recortes en la sala de montaje -se dice que quedaron fuera más de dos horas de metraje- y el maltrato posterior a la hora de pasar por cines, tv y cintas de video hicieron que una maldición se cebara en ella hasta dejarla para el arrastre. No obstante, desde aquí reivindicamos la descabellada diversión que proporciona, los recuerdos de los tiempos del VHS que nos evoca o que la banda sonora de Tangerine Dream nos parece el no va más pese a no encajar para nada. Con suerte algún día aparecerá un montaje del director que arregle tal desaguisado; quedamos a la espera.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Nouvelle Vague

El cineasta norteamericano Richard Linklater se traslada a Francia para ofrecer a los galos un homenaje a una parte sustancial de su cine patrio: la “Nouvelle Vague”, esa corriente cinematográfica nacida en las entrañas de la revista “Cahiers du Cinéma” que intentó en los años sesenta reformular el cine desde posicionas heterodoxas. El gran representante de aquella nueva ola fue Jean-Luc Godard, la figura en la que se centra la película. El rodaje de Al final de la escapada es recreada por Linklater con rigurosidad en personajes y escenarios; a ratos divertida, las excéntricas ideas y actitudes de Godard se prestan a ello, a ratos ilustrativa de lo que eran aquellas nuevas ideas, de cómo contar historias y ponerlas en celuloide se podía convertir en un caos creativo, un caos que si quedaba evidenciado en la pantalla debía ser por un reflejo necesario de la realidad. Destacadas personalidades de esa década tan influyente, el propio Godard, Truffaut, Melville, Chabrol, Rohmer, y un largo etc., pasan delante de la cámara de Linklater para mostrar la fauna humana que intentó revolucionar el lenguaje del cine. Muy recomendable para recién llegados al conocimiento de la ola sesentera, imprescindible para sus admiradores e incondicionales.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Made in USA

Jean-Luc Godard persistía en el método, o en su ausencia, de la Nouvelle Vague, el movimiento que ya se había convertido en sinónimo de rebeldía, experimentación e iconoclasia; una corriente que empezaba a dar síntomas de reiteración, de desgaste, aunque el cineasta francosuizo se negara a la rendición estilística. Un ejemplo de ello puede ser esta “Made in USA”, una nueva aliteración caótica, especie de retorsión del género policíaco, que protagonizó su hasta entonces musa Anna Karina en la última colaboración entre la actriz y el director. Lo bueno y lo menos bueno de Godard se reúnen en una trama confusa, no podía ser de otra manera, salpicada de los consabidos mensajes cinéfilos y, sobre todo, políticos sobre derecha e izquierda, comunismo contra fascismo, conceptos que formaban parte esencial de las motivaciones intelectuales del creador. Obligada cinta para adeptos, el resto puede prescindir.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Nine Days

Alegoría sobre el origen de la vida, no de la vida física como tal, si no la esencia de ella, lo que llamamos alma, y la conciencia, el conocimiento y las experiencias vitales que la conforman: Un hombre, quizá divino o cercano a la divinidad, juzga y decide que almas neonatas podrán ocupar el espacio en el mundo que ha dejado una persona al morir. Todas tienen nueve días para convencer de su idoneidad para trascender a la existencia corporal. Puede parecer un embrollo metafísico, pero su director y guionista, el brasileño Edson Oda, controla cualquier tentación de enredar con cuestiones y simbolismos que solo entendería él; el significado del mensaje queda meridianamente claro, y el epílogo lo eleva hasta emocionar a los reacios. Como leer uno de esos libros de autoayuda, aunque en este caso sí que puede servir de algo.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Narciso negro

Religión y psicología unidas en un drama situado en el exótico Himalaya con un quinteto de monjas metidas en una ardua encrucijada de moral y disciplina severas, arcaicas tradiciones, clima riguroso y pulsiones sexuales reprimidas. Eso sí, sin alborotar demasiado en aquel 1947 -aunque la censura americana entrara a recortar quedó un contenido subliminal evidente- a las mentes bien pensantes de la época. La película ha trascendido a los anales de grandes clásicos por mor del audaz argumento, el tiempo transcurrido ha atenuado su carga morbosa, y el preciosista diseño de producción, pero indudablemente la espléndida fotografía de Jack Cardiff, convierte a los colores e iluminación en tan protagonistas como el elenco actoral. En este último apartado merecen especial reconocimiento el trabajo de dos actrices: la admirable, como siempre, Deborah Kerr, y Kathleen Byron, arrolladora al representar una mente trastornada por los celos. La dupla de directores, Michael Powell y Emeric Prerssburger, lograron realizar una obra de gran impacto visual y narrativo que se mantiene a pesar del paso de las décadas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Open range

El conflicto entre ganaderos trashumantes y rancheros en Estados Unidos tras la guerra civil sirve de trasfondo a un western de raíces clásicas dirigido e interpretado por el mismo Costner, duro y carismático, al que acompañan Robert Duvall, siempre impecable, y Annette Bening, unión óptima de fortaleza y dulzura. En la película convergen varios arquetipos del género: la venganza y la redención, la amistad y la lealtad, la violencia y los duelos a muerte y, como no, una emotiva historia de amor. Rodada con pulso firme por Costner, tanto en las magníficas secuencias en las praderas como en las del tiroteo por las calles de un poblado que tiene, sin duda, resonancias directas con el histórico, y también muy cinematográfico, acaecido en el OK Corral de Tombstone en 1881. Junto a “Bailando con Lobos” forman una dupla notable sobre el mitificado Oeste americano que el actor y director ha intentado extender en la saga reciente “Horizon”, pero con menor fortuna.

Puntuación @tomgut65: 7/10