Spider-Noir (Miniserie)

Lo que en principio nació como una serie, tras su cancelación por parte de Amazon se ha convertido en una miniserie. Esto no parece haber representado ningún problema para su creador ni para su protagonista, quienes consideran que una única temporada de ocho capítulos era lo ideal. Y no puedo estar más de acuerdo, ya que esta innovadora propuesta que mezcla superhéroes con cine negro, y que tan bien funcionaba en los cómics, se ha convertido en una de las mejores ficciones de dos mil veintiséis, y alargarla con más entregas no habría mejorado lo ya visto. Además, pese haber llegado a su fin de forma presuntamente prematura, se puede ver sin problema, ya que todas las tramas principales quedan bien atadas, dejando la puerta abierta a nuevos casos, que por lo visto no llegarán.

Cabría destacar dos aspectos clave. El primero es la posibilidad de ver la serie en color o en blanco y negro, y tras probar ambas formas de visualización, sin duda recomendamos la segunda. La inmersión al tratarse de una historia de mafiosos y detectives es más auténtica, provocando una sensación de nostalgia muy estimulante. Y por último, lo más importante, haber contado con Nicolas Cage interpretando un papel que de entrada no parecía hecho a su medida, pero que ha clavado con descaro, soltura y ese punto medio exacto entre la fortaleza y la decadencia que el actor domina a la perfección. En resumidas cuentas, un cúmulo de aciertos que han convertido un experimento televisivo en una serie imprescindible de los últimos años.

Mi puntuación: 8/10

Demencia 13

Debut en la dirección de Francis Ford Coppola con un thriller auspiciado por el que fuera durante décadas representante máximo de la serie B y el cine de explotación: el cineasta, guionista, actor y productor Roger Corman. Gracias a él, también Scorsese, Bogdanovich o Cameron, entre otros, tuvieron la oportunidad de ser presentados en sociedad y abrirse camino en eso del séptimo arte. La demencia en cuestión la sufre una familia tras la muerte de la hermana pequeña, un trauma familiar cuyas secuelas arrastran madre y hermanos; al embrollo se añade una futura herencia. Coppola, autor además del guion y con apenas 23 primaveras, demuestra bisoñez e impericia agravadas por el escasísimo presupuesto en una historia pretendidamente de terror psicológico que se inclina en el último tercio por el gore, dentro, claro, de los límites que permitían la época, 1963, y la generosidad del que ponía la pasta, el señor Corman. Los inicios en un oficio siempre son duros, pero en este caso y por fortuna sirvieron para que ese chaval italoamericano de Nueva York pudiera posteriormente darle al mundo varias obras maestras.

Puntuación @tomgut65: 5/10

La constelación del perro

Los largometrajes postapocalípticos siempre han dado mucho juego en el mundo del cine, y después de la pandemia del COVID-19 era casi inevitable adaptar a la gran pantalla la novela homónima de dos mil doce que parece casi premonitoria, no tanto por cómo se desarrollan los hechos sino por la causa de los mismos. Para llevarla a cabo tenemos a un reputado realizador como Ridley Scott, quien simplemente se deja llevar tras las cámaras aportando muy poco en una película que, si no lo supieras de antemano, podría estar dirigida por cualquiera. Delante de la cámara ocurre más de lo mismo, un reparto genérico y funcional que cumple dando forma a unos personajes cuyos dramas internos se atisban mucho más profundos y relevantes de lo que el guion desarrolla. Y precisamente esta es la mayor flaqueza de esta impoluta y vacía producción, una historia que parece un "copia y pega" de tantas otras parecidas, y que no destaca ni deja huella más allá del somero entretenimiento que acaba siendo. 

Mi puntuación: 5/10

El estrangulador de Boston

Tony Curtis se topó con el papel de su vida al interpretar a Albert DeSalvo, el asesino en serie conocido como “el estrangulador de Boston”, que aterrorizó a la población femenina de esa ciudad los primeros años de la década de los sesenta. Curtis está espléndido, transmite en gestos y miradas el infierno interior que padece su personaje, esos oscuros impulsos que le empujan a matar. La película refleja solo una conjetura, entre muchas, de lo que sucedía en la mente de DeSalvo con suposiciones sobre una posible doble personalidad, cuando la realidad del caso fue, y sigue siendo, más compleja y ha dado lugar a diversas teorías sobre la auténtica responsabilidad de las trece muertes que se le atribuyeron. Aun así, el film reconstruye los hechos con bastante fidelidad, usando recursos en boga en la época de su producción, 1968: pantalla partida y cámara subjetiva, por ejemplo. Cinta cortante, dura y por momentos perturbadora, siempre dentro de la verosimilitud. Una joya que consolidó el género.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Marty Supreme

El caos hecho película, esto es lo que encontraremos en esta producción alabada por una crítica especializada cuyo punto de vista no comparto ni de lejos. Cierto es que la interpretación de Timothée Chalamet es digna de elogio, ya que plasmar el errático y odioso comportamiento de semejante personaje tiene mérito. Sin embargo su buen trabajo no compensa las dos horas y media de escenas ininterrumpidas, aceleradas, y en demasiados momentos, inconexas, en las que no se llega a profundizar en las inexplicables motivaciones de su protagonista, ni tampoco en los absurdos sucesos que lo rodean. Da la sensación que el guion se ha escrito sobre la marcha y que se intentan emular las mejores obras de los hermanos Coen, pero sin su gracia innata ni la mínima coherencia narrativa requerida para no resultar confusa o agotadora, al menos para mí.

Mi puntuación: 4/10

Rancho Dutton (1ª Temporada)

Secuela más directa, en forma y, sobre todo, en contenido, de Yellowstone que la también estrenada en dos mil veintiséis Marshals. En esta ocasión seguiremos las andanzas de la pareja más carismática de la serie original en su periplo por Texas montando un rancho con las "típicas" adversidades, entre mafiosas y delictivas, que por lo visto ello conlleva. Como fichajes rutilantes tenemos a las estrellas del viejo Hollywood Annette Bening y Ed Harris, quienes están en su madura y sesuda línea interpretativa, junto a otros de menor renombre. Entre ellos se encuentra el hijo asimilado de la familia, con bastante trama propia y que sirve como enlace o excusa para introducir otros personajes de menor relevancia.

A lo largo de nueve episodios, que suelen rondar los cincuenta minutos de duración, esta primera temporada sabe qué riendas debe tomar para seguir el camino que tan bien funcionó en el pasado. A diferencia de la anteriormente mencionada, protagonizada por Kayce Dutton, esta no rehúye de sus raíces, todo lo contrario, se aferra a ellas reinventando y reciclando fórmulas ya conocidas, por lo que las situaciones y referencias familiares son continuas. Además, en cada capítulo ocurren un sinfín de acontecimientos culminando en algo relevante o dramático, lo que ayuda a que el rodeo narrativo no decaiga. Eso sí, como no estés al día de este mundillo vaquero, es posible que no te enteres de muchas de las cosas que pasan o que no te enganche como cabría esperar.

Mi puntuación: 7/10

Calabuch

Entre el 1953 y el 1963 el genial Luis García Berlanga legó al cine español varias obras maestras: “Bienvenido, Mister Marshall”, “Los jueves, milagro”, Plácido o El verdugo. Cuatro maravillas entre las que intercaló una quinta en 1956 con el nombre por título de un pueblo costero imaginario, Calabuch, que era en realidad el castellonense Peñíscola. Berlanga elaboró una alegoría que idealizaba la vida en una pequeña comunidad de gente corriente, solidaria y apegada a sus tradiciones; un entrañable cuento pacifista en el que un personaje que ha contribuido a la guerra busca la redención y la paz alejado del mundo entre personas ajenas al militarismo y la belicosidad. Cinta coral, tal y como gustaba el ilustre cineasta valenciano, en la que brillan el costumbrismo y el humor candoroso de una fauna humana reconocible por el público como parte de la idiosincrasia española. Con los años la comicidad berlanguiana se iría avinagrando gradualmente, aunque sin perder nunca el fondo ácrata/humanista ni tampoco su carácter propio.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La 45ª edición del TerrorMolins presenta cartel y un primer avance de la programación de 2026

El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2026 presenta la imagen oficial de su 45ª edición y un primer adelanto de la programación de este año. Con el leitmotiv del found footage como eje central, el cartel rinde homenaje a la estética analógica y a las grabaciones malditas a través de una pieza firmada por Axel Almirón. Asimismo, el festival revela una primera lista de 19 títulos que certifican la vitalidad del género a escala internacional, desde el regreso de grandes maestros como Yeon Sang-ho hasta la apuesta por las nuevas miradas queer, el terror urbano y las cinematografías más atrevidas de todo el mundo, además de reafirmar el compromiso por la industria del cine de terror local, con importantes novedades en el Premio Angoixa al desarrollo de cortometrajes en catalán.

Pulsa el Play del terror

El cartel de esta edición toma como eje central el leitmotiv del festival para rendir homenaje al metraje encontrado y a su capacidad única para transformar una grabación cotidiana en una experiencia profundamente inquietante. A través de las cintas VHS, la presencia de la cámara y una estética deliberadamente analógica, la imagen juega con la sensación de estar frente a un material encontrado; una grabación que quizás nunca debería haber sido descubierta. La pieza funciona como una invitación directa a mirar, pero también suelta la sospecha latente de que quizás hubiera sido mejor no hacerlo…

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Nuestro Indiana Jones patrio vuelve a las andadas, aunque esta vez con más compañía que nunca, ya que arrastra a todos los secundarios de las tres entregas anteriores. Esta saturación de personajes protagonistas provoca que las gracias y los chascarrillos sean constantes, pero también hacen que se ensombrezcan mutuamente. Esto sobre todo afecta a nuestro querido arqueólogo, cuyo protagonismo no remonta hasta el final de la cinta. En lo que a la historia se refiere, tenemos un batiburrillo de ideas conocidas y muy familiares, destacando por encima de todas una inspirada, basada, homenajeada o plagiada de una mítica película de los años ochenta. Yendo al grano, sin sobresalir en originalidad, alcanza su meta de entretener a propios y a extraños de la franquicia, a los niños con soltura y a los adultos por los pelos.

Mi puntuación: 5/10

Ulises

Péplum de los muchos que aparecieron en los años cincuenta y sesenta en los que este subgénero se imponía con gran éxito de público, no tanto de crítica, la diferencia se halla en que su producción era de mayor calado al de la media, tanto a nivel conceptual, una base literaria clásica y prestigiosa, como en inversión económica; la mayor evidencia de ello es que encabezara el casting Kirk Douglas, toda una gran estrella americana, y algunos secundarios, asimismo, de relieve: Anthony Quinn, Rosana Podestà o Silvana Mangano, y se contaran con más medios técnicos o escenográficos de los habituales en ese tipo de productos. Hallamos en el film un Ulises arrogante y temerario que supera los obstáculos con ingenio y mucha fortuna aún a costa de la vida de sus hombres. Ingeniosa y entretenida película, que no desdeña los momentos trágicos, respetando su origen literario por encima, incluso, de lo esperable.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Vidas cruzadas (Short Cuts)

Un reparto con un gran número de estrellas noventeras y venideras, un director de moda en su mejor momento y multitud de premios, incluido el León de Oro en Venecia, son avales suficientes como para que una película goce de un mínimo de calidad, o al menos, pueda encandilar a propios y a extraños. En temas de calidad no voy a entrar, seguramente esté muy bien dirigida, el guion toque temas relevantes de manera sugestiva y las actuaciones sean fabulosas, las cuales son lo único destacable y salvable por mi parte.

Pero en lo que a gustos se refiere, personalmente me ha parecido infumable, insoportable, y por momentos, ofensiva. Lo que empieza como una serie de personajes viviendo su día a día se convierte en un cúmulo de perturbaciones sexuales variadas sin pies ni cabeza, abordando traumas de forma burda y, lo que es peor, te deja con la sensación de haber tirado por el retrete tres horas de tu vida. Repito, tres horas en las que te has pasado esperando una mínima revelación o que las supuestas vidas estén realmente cruzadas, y no sean simplemente historias sueltas con una conexión mínima y un exceso de pedantería y tedio.

Mi puntuación: 2/10

Backrooms: Liquidación total

Lo que empezó como una propuesta publicada en un foro fue tomando forma y ganando dimensión, pasando por diferentes fases, hasta convertirse en este largometraje, el cual logra plasmar con acierto su intrigante premisa original. Y es que, desde los primeros compases, el misterio es la seña de identidad de una historia que no solo se centra en marearnos dentro de un infinito laberinto de habitaciones cambiantes, sino que también desarrolla con atino a sus pocos pero interesantes personajes. Sus vidas son clave para entender qué está ocurriendo y cómo, aunque el porqué es algo que queda a la libre interpretación del espectador. Además, esta versión extendida, con quince minutos añadidos tras los títulos de crédito, aporta todavía más material jugoso y un enfoque enriquecedor que bien merece la pena ser visto. Una de las sorpresas del año que demuestra que, muchas veces, menos es más.

Mi puntuación: 7/10

Os reviento

Cine alternativo, del que se denomina habitualmente como independiente y al que los Blogos de Oro dedica sus premios anuales. Hablamos, pues, de ese cine hecho con cuatro euros mal contados y mucha fe inquebrantable para que el director, actores y equipo, sean los que sean, asomen la cabeza en la industria y logren integrarse en ella con todo lo que comporta. Y “Os reviento” es una muestra clara de esa voluntad de hacer género, de acción en este caso, de forma digna y profesional al estilo del Statham de turno, aunque sin disponer de los mismos medios, evidentemente. Algo de drama social, pizcas de comedia, mucha mala baba y tortazos a troche y moche es lo que se ofrece, y con un acabado mejorable, algo comprensible teniendo en cuenta el nivel de la producción. Honesta diversión a raudales, sin sesudas pretensiones.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El super canguro

Al contrario que Armas invencibles, cuya fama y críticas son elevadas, esta comedia familiar de acción de menos renombre y con peores reseñas resulta ser mucho más amena y coherente que la filmada por el inimitable Jackie Chan veinticinco años atrás. Divertida porque la acción es más abundante y variada, quizás menos espectacular, pero constante y ocurrente como de costumbre. Y coherente porque se nota que, pese a contar con un guion realmente sencillo, apenas tiene lagunas y los comportamientos de sus personajes así como las consecuencias de sus actos, están justificados de un modo u otro. Además, otro punto a favor es que es blanca como pocas: no tiene tacos, apenas muestra sangre y tampoco contiene nada que pueda incomodar a un adulto si decide verla con un niño de cualquier edad, lo cual sin duda es muy recomendable.

Mi puntuación: 6/10

Send Help (Enviad ayuda)

Comedia, terror, drama y aventuras se entremezclan en este satírico largometraje que lleva al extremo las relaciones laborales y los prejuicios existentes en ciertos ambientes de trabajo tóxicos. Para lograrlo, solo se necesitan una isla desierta, una correcta realización y un guion que sabe explotar a la perfección los hiperbolizados rasgos de los dos personajes protagonistas. Con estas herramientas, y en un contexto de supervivencia, se desatarán los instintos más elementales del ser humano con los que el espectador podrá identificarse, hasta que se llega a un punto límite donde los giros argumentales y la enajenación mental cogen las riendas. Esta vuelta de tuerca, pese a restar credibilidad a la historia, aumenta la diversión de una película muy recomendable para quienes no se han sentido valorados en sus empleos o como advertencia a quienes menosprecian a sus subordinados.

Mi puntuación: 6/10

Rain Man

Se dice en los mentideros que interpretar a un discapacitado proporciona buenos réditos y reconocimientos a cualquier actor o actriz que afronte tal reto. Eso mismo se podría decir de Dustin Hoffman cuando encarnó al autista Raymond Babbitt en esta película, no en vano se llevó gracias a ese papel la preciada estatuilla dorada hollywoodense. La premisa se acerca bastante a la realidad, no obstante Hoffman ganó merecidamente la figura del calvo llamado Óscar pues su actuación es brillante, más aún, excelsa, muy por encima de cualquier otra parecida, antes o después de la aparición de la cinta en 1988. De hecho, por encima, además, de la propia película, una road-movie convencional con dos personajes dicotómicos que aprenden a entenderse mutuamente: Raymond y su hermano Charlie (Tom Cruise, también notable) forjan una historia de aprendizaje y conocimiento conmovedora y, precisamente por eso, facilona; aunque el espectador sea consciente de ello no podrá evitar unirse al coro emotivo. Lo mejor que ha dado al cine, con diferencia, el director Barry Levinson.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El poder del talismán

Curioso que el título mencione un talismán cuando al objeto en la película se le llama continuamente medallón. Esto sin duda es culpa del doblaje, pero solo es una de las tantas incoherencias que contiene este breve largometraje de acción que se toma las cosas con mucha calma a la hora de narrarlas en sus primeros setenta minutos, para luego pegar un acelerón en los últimos veinte, avanzando la trama a toda prisa, cortando escenas para aligerar y cerrando la historia con un "deus ex machina" que no hay por dónde coger. Cabe decir que hasta mi hijo de diez años se dio cuenta de la multitud de errores de montaje existentes en este tramo. Por desgracia, este despropósito ni Jackie Chan es capaz de salvarlo, a quien apenas le dejan lucirse en tres secuencias de peleas, la mayoría con CGI de por medio. En resumen, una película nada recomendable y muy prescindible..

Mi puntuación: 3/10

La asistenta

Los telefilmes de sobremesa alcanzan una nueva dimensión con esta adaptación del best seller homónimo, que hace uso de una intrigante historia y un sugerente trío protagonista para absorber nuestras mentes durante más de dos horas. El drama llevado al extremo y los giros argumentales son las señas de identidad de este largometraje, aunque el grado de sorpresa dependerá de lo avispado que sea cada espectador. Aciertes o no en tus conjeturas, el juego en el que te sumerge es lo suficientemente estimulante como para mantener la tensión y entretener mientras el tiempo vuela hasta un nada decepcionante clímax. Cine de consumo que ambos sexos pueden disfrutar con sumo agrado. 

Mi puntuación: 6/10

La hora final

Un rutilante cuarteto de estrellas -Gregory Peck, Ava Gardner, Anthony Perkins y Fred Astaire- protagonizaron un film apocalíptico en el peor momento de la Guerra Fría, no en vano tres años después de la aparición de la obra, 1959, el mundo estuvo al borde del abismo con la crisis de loa misiles en Cuba. El film, dirigido por el competente Stanley Kramer, sitúa la acción en Australia, la única parte del mundo que aun sobrevive a un holocausto nuclear, pero condenada a que en unos pocos meses la radiación letal alcance la isla y acabe con los últimos seres humanos de la Tierra. Varios personajes afrontan la coyuntura a su manera, desde el máximo fatalismo, por lógica, hasta el hedonismo desatado para disfrutar todo lo posible de los días que restan.

La verdad es que la película no logra encoger el corazón de la audiencia, su tono es algo frío y desangelado, además unas cuantas escenas de emotividad desaforada no ayudan demasiado, pero hay que reconocer que el planteamiento argumental tiene una fuerza intrínseca considerable, la suficiente al menos para que se mantenga la expectación en todos de sus más de ciento treinta minutos. No estamos, en todo caso, ante una exhibición de imágenes epatantes con las que exacerbar la paranoia del público de la época, si no del retrato psicológico de unas personas que han de afrontar el fin propio y el del mundo en términos absolutos. Acertada obra que en otras manos no tan consideradas sería un productito para excitar terrores preexistentes.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El diablo viste de Prada 2

Cuando la primera parte parecía haber caído en el olvido, veinte años después la han resucitado en un ejercicio de inmovilismo narrativo que sigue por los mismos derroteros glamurosos de su predecesora, aunque en esta ocasión las tramas resultan más comedidas, menos romanticonas pero igual de intrascendentes. Esto no impide que si has visto la anterior, sientas un mínimo de nostalgia y apego por unos personajes cuyas vidas no parecen haber evolucionado demasiado. Justamente el elenco que los interpreta es el mayor reclamo de esta secuela, ya que han logrado mantener las principales caras conocidas y les han dado una cantidad equitativa de protagonismo para evitar guerras de egos. La consecuencia es más de lo mismo, aunque no mejor, pero con una historia tan blanca y afable que se puede disfrutar de forma segura y efímera.

Mi puntuación: 5/10

Mini crítica de "El diablo viste de Prada".