Marty Supreme

El caos hecho película, esto es lo que encontraremos en esta producción alabada por una crítica especializada cuyo punto de vista no comparto ni de lejos. Cierto es que la interpretación de Timothée Chalamet es digna de elogio, ya que plasmar el errático y odioso comportamiento de semejante personaje tiene mérito. Sin embargo su buen trabajo no compensa las dos horas y media de escenas ininterrumpidas, aceleradas, y en demasiados momentos, inconexas, en las que no se llega a profundizar en las inexplicables motivaciones de su protagonista, ni tampoco en los absurdos sucesos que lo rodean. Da la sensación que el guion se ha escrito sobre la marcha y que se intentan emular las mejores obras de los hermanos Coen, pero sin su gracia innata ni la mínima coherencia narrativa requerida para no resultar confusa o agotadora, al menos para mí.

Mi puntuación: 4/10

Rancho Dutton (1ª Temporada)

Secuela más directa, en forma y, sobre todo, en contenido, de Yellowstone que la también estrenada en dos mil veintiséis Marshals. En esta ocasión seguiremos las andanzas de la pareja más carismática de la serie original en su periplo por Texas montando un rancho con las "típicas" adversidades, entre mafiosas y delictivas, que por lo visto ello conlleva. Como fichajes rutilantes tenemos a las estrellas del viejo Hollywood Annette Bening y Ed Harris, quienes están en su madura y sesuda línea interpretativa, junto a otros de menor renombre. Entre ellos se encuentra el hijo asimilado de la familia, con bastante trama propia y que sirve como enlace o excusa para introducir otros personajes de menor relevancia.

A lo largo de nueve episodios, que suelen rondar los cincuenta minutos de duración, esta primera temporada sabe qué riendas debe tomar para seguir el camino que tan bien funcionó en el pasado. A diferencia de la anteriormente mencionada, protagonizada por Kayce Dutton, esta no rehúye de sus raíces, todo lo contrario, se aferra a ellas reinventando y reciclando fórmulas ya conocidas, por lo que las situaciones y referencias familiares son continuas. Además, en cada capítulo ocurren un sinfín de acontecimientos culminando en algo relevante o dramático, lo que ayuda a que el rodeo narrativo no decaiga. Eso sí, como no estés al día de este mundillo vaquero, es posible que no te enteres de muchas de las cosas que pasan o que no te enganche como cabría esperar.

Mi puntuación: 7/10

Calabuch

Entre el 1953 y el 1963 el genial Luis García Berlanga legó al cine español varias obras maestras: “Bienvenido, Mister Marshall”, “Los jueves, milagro”, Plácido o El verdugo. Cuatro maravillas entre las que intercaló una quinta en 1956 con el nombre por título de un pueblo costero imaginario, Calabuch, que era en realidad el castellonense Peñíscola. Berlanga elaboró una alegoría que idealizaba la vida en una pequeña comunidad de gente corriente, solidaria y apegada a sus tradiciones; un entrañable cuento pacifista en el que un personaje que ha contribuido a la guerra busca la redención y la paz alejado del mundo entre personas ajenas al militarismo y la belicosidad. Cinta coral, tal y como gustaba el ilustre cineasta valenciano, en la que brillan el costumbrismo y el humor candoroso de una fauna humana reconocible por el público como parte de la idiosincrasia española. Con los años la comicidad berlanguiana se iría avinagrando gradualmente, aunque sin perder nunca el fondo ácrata/humanista ni tampoco su carácter propio.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Vidas cruzadas (Short Cuts)

Un reparto con un gran número de estrellas noventeras y venideras, un director de moda en su mejor momento y multitud de premios, incluido el León de Oro en Venecia, son avales suficientes como para que una película goce de un mínimo de calidad, o al menos, pueda encandilar a propios y a extraños. En temas de calidad no voy a entrar, seguramente esté muy bien dirigida, el guion toque temas relevantes de manera sugestiva y las actuaciones sean fabulosas, las cuales son lo único destacable y salvable por mi parte.

Pero en lo que a gustos se refiere, personalmente me ha parecido infumable, insoportable, y por momentos, ofensiva. Lo que empieza como una serie de personajes viviendo su día a día se convierte en un cúmulo de perturbaciones sexuales variadas sin pies ni cabeza, abordando traumas de forma burda y, lo que es peor, te deja con la sensación de haber tirado por el retrete tres horas de tu vida. Repito, tres horas en las que te has pasado esperando una mínima revelación o que las supuestas vidas estén realmente cruzadas, y no sean simplemente historias sueltas con una conexión mínima y un exceso de pedantería y tedio.

Mi puntuación: 2/10

Rain Man

Se dice en los mentideros que interpretar a un discapacitado proporciona buenos réditos y reconocimientos a cualquier actor o actriz que afronte tal reto. Eso mismo se podría decir de Dustin Hoffman cuando encarnó al autista Raymond Babbitt en esta película, no en vano se llevó gracias a ese papel la preciada estatuilla dorada hollywoodense. La premisa se acerca bastante a la realidad, no obstante Hoffman ganó merecidamente la figura del calvo llamado Óscar pues su actuación es brillante, más aún, excelsa, muy por encima de cualquier otra parecida, antes o después de la aparición de la cinta en 1988. De hecho, por encima, además, de la propia película, una road-movie convencional con dos personajes dicotómicos que aprenden a entenderse mutuamente: Raymond y su hermano Charlie (Tom Cruise, también notable) forjan una historia de aprendizaje y conocimiento conmovedora y, precisamente por eso, facilona; aunque el espectador sea consciente de ello no podrá evitar unirse al coro emotivo. Lo mejor que ha dado al cine, con diferencia, el director Barry Levinson.

Puntuación @tomgut65: 7/10

La asistenta

Los telefilmes de sobremesa alcanzan una nueva dimensión con esta adaptación del best seller homónimo, que hace uso de una intrigante historia y un sugerente trío protagonista para absorber nuestras mentes durante más de dos horas. El drama llevado al extremo y los giros argumentales son las señas de identidad de este largometraje, aunque el grado de sorpresa dependerá de lo avispado que sea cada espectador. Aciertes o no en tus conjeturas, el juego en el que te sumerge es lo suficientemente estimulante como para mantener la tensión y entretener mientras el tiempo vuela hasta un nada decepcionante clímax. Cine de consumo que ambos sexos pueden disfrutar con sumo agrado. 

Mi puntuación: 6/10

La hora final

Un rutilante cuarteto de estrellas -Gregory Peck, Ava Gardner, Anthony Perkins y Fred Astaire- protagonizaron un film apocalíptico en el peor momento de la Guerra Fría, no en vano tres años después de la aparición de la obra, 1959, el mundo estuvo al borde del abismo con la crisis de loa misiles en Cuba. El film, dirigido por el competente Stanley Kramer, sitúa la acción en Australia, la única parte del mundo que aun sobrevive a un holocausto nuclear, pero condenada a que en unos pocos meses la radiación letal alcance la isla y acabe con los últimos seres humanos de la Tierra. Varios personajes afrontan la coyuntura a su manera, desde el máximo fatalismo, por lógica, hasta el hedonismo desatado para disfrutar todo lo posible de los días que restan.

La verdad es que la película no logra encoger el corazón de la audiencia, su tono es algo frío y desangelado, además unas cuantas escenas de emotividad desaforada no ayudan demasiado, pero hay que reconocer que el planteamiento argumental tiene una fuerza intrínseca considerable, la suficiente al menos para que se mantenga la expectación en todos de sus más de ciento treinta minutos. No estamos, en todo caso, ante una exhibición de imágenes epatantes con las que exacerbar la paranoia del público de la época, si no del retrato psicológico de unas personas que han de afrontar el fin propio y el del mundo en términos absolutos. Acertada obra que en otras manos no tan consideradas sería un productito para excitar terrores preexistentes.

Puntuación @tomgut65: 6/10

The Bear (4ª Temporada y Temporada final)

Podríamos englobar las dos últimas temporada en una sola, y así ha sido, ya que si bien la cuarta se desarrolla a lo largo de varios meses en una frenética cuenta atrás, la quinta empieza el día después del último capítulo de la anterior. Prácticamente sucede en tiempo real durante tres turnos de una de las noches más caóticas, problemáticas y, sin duda, divertidas de toda la serie. En total, ambas suman dieciocho episodios, varios de ellos los mejores de esta ficción, que conducen a su conclusión del mejor modo posible y por todo lo alto.

Los tremebundos dramas que vivimos en entregas previas han quedado de lado, dando paso a lo primordial: el restaurante y todo lo que lo rodea. Preparar platos, servirlos, organizarse, reducir tiempos, hacer más con menos, lograr la conciliación familiar y laboral... se suceden un sinfín de situaciones realistas y muy humanas. Por supuesto, al tratarse del cierre de la serie, el futuro de sus protagonistas es otro de los temas principales. Si bien quedan detalles en el aire, de un modo u otro todos eligen su camino, y seguro que pocas personas quedarán decepcionadas con el resultado. Por cierto, hay un capítulo especial de una hora llamado "Gary" que es necesario ver entre las dos temporadas: un flashback protagonizado por dos de los personajes más carismáticos en el que afloran todo tipo de sentimientos.

Una despedida de cuatro tenedores donde las emociones que presenciamos dentro de la pantalla nos empapan fuera de ella, convirtiéndose en la mejor parte de una premiadísima serie difícilmente repetible.

Mi puntuación 4ª Temporada y Temporada Final: 8/10

Mi puntuación Serie completa: 7/10

Alguien voló sobre el nido del cuco

Una delgada línea separa la rebeldía de la locura, línea marcada por una sociedad reacia a aceptar a los inadaptados, los que no entran en los parámetros de la normalidad. McMurphy (Jack Nicholson) es esa locura del rebelde, y la enfermera Ratched (Louise Fletcher) el tope que pone el sistema a los indisciplinados. El enfrentamiento sucede en un hospital psiquiátrico, en realidad una prisión para quienes se salen de esas normas establecidas, en una película dura, muy dura en su tercio final, pero un canto al libre albedrío en los dos primeros. Si bien en todo momento el trasfondo es amargo, con esos personajes recluidos a la espera de la cura de sus mentes “enfermas”, la llegada de McMurphy y sus ansias de libertad será un nuevo rayo de esperanza que, por supuesto, la Srta. Ratched habrá de aplacar sin piedad. Impresionantes Nicholson y Fletcher, ambos ganaron el Óscar por sus interpretaciones, y no menos estupendos los secundarios, o sea, los locos que pueblan el centro, y el desenlace es de los que permanecen en la memoria para siempre. El coste de ser diferente sigue costando tanto o más que en aquel año 1975 en el que se rodó la cinta.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La leyenda del indomable

Papel a medida de Paul Newman, el de un granuja carismático y rebelde al que nada ni nadie logra doblegar. Y es que el actor norteamericano daba cuerpo a un recluso condenado a trabajos forzados dispuesto a llevar la contraria a cualquier tipo de jerarquía, sea la de sus propios compañeros en el presidio, sea la del alcaide y los guardianes. El tipo de personaje encantador, pícaro e irreductible que tan bien se le daba a Newman cuando su estrellato se hallaba en pleno ascenso, luego demostraría un talento y una personalidad que llegaban más allá de su carisma y atractivo. La cinta es un duro alegato contra el sistema penal americano que en aquellos años sesenta, según se narra, debía ser inhumano, sobre todo cuando la pena implicaba duros trabajos; es también una reivindicación de la dignidad del ser humano en cualquier circunstancia, incluso cuando se esté pagando por un delito o un crimen. El Luke Jackson que interpreta Newman es un paradigma del rebelde con causa, en línea similar a otras figuras célebres del cine y la literatura; nos vienen a la memoria dos bien indicativas: la de McMurphy (Jack Nicholson) en “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975) y la de Andy Dufresne (Tim Robbins) en “Cadena perpetua” (1994), entre otros muchos que ha dado el celuloide y el papel.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El nadador

Premisa peculiar la de esta película de 1968: Ned Merrill (Burt Lancaster), un maduro y adinerado hombre de negocios, decide cruzar el valle donde vive de piscina privada en piscina privada hasta su casa. Un recorrido en el que habrá de enfrentarse al balance de lo que ha sido su existencia en cada visita a las residencias de vecinos y amigos. Lo que empieza como un magnífico día de verano se ha de tornar en un angustioso golpe de realidad ante la impotencia del protagonista. Además de en las piscinas, el personaje se sumerge en un infierno tan inesperado como inapelable: la verdad de lo que es y ha sido su vida. Impresionante interpretación de Mr. Lancaster en una cinta iniciada por el director Frank Perry y finalizada, según cuentan las crónicas, por Sydney Pollack. Una obra, pues, que sufrió una intrincada elaboración, incluso al borde de ser anulada, pero de la que salió algo realmente notable, un drama psicológico que suscita muchas sensibilidades, nunca la indiferencia.

Puntuación @tomgut65: 8/10

El diablo viste de Prada

Un reparto de alto copete, que con los años se ha revalorizado, es la principal baza de esta comedia ambientada en el mundo de la moda y cuyo tema principal es el éxito profesional a cualquier precio, o quizás gire alrededor de la realización personal, o puede que sobre las jefas imbéciles. En realidad no trata sobre nada en concreto ni cuenta nada trascendental o demasiado ameno, es decir, se sitúa en una irrelevante zona gris donde lo que prima es la vida de su protagonista, dignamente interpretada por Anne Hathaway, aunque eclipsada por diferentes colegas de reparto que le confieren el toque chic que una película de esta índole requiere. En resumidas cuentas, si te va este mundillo, te atrae algunas de sus actrices y/o quieres ver algo en la tele sin prestarle mucha atención, esta es tu película.  

Mi puntuación: 5/10

Ídolos

El motociclismo de máximo nivel es la excusa de esta producción hispano-italiana para contarnos otras historias más convencionales. La primera y más importante es el drama familiar alrededor de su protagonista, quien pretende forjarse un futuro mientras sobrevive en el presente y lucha contra su pasado, eso sí, con una actitud que complica mucho poder empatizar con él. Luego está la típica historia de amor que, salvo en momentos muy puntuales, aporta poco a la trama principal y que se podría recortar para reducir un metraje un tanto excesivo para lo que acaba contando. Y es que las mejores partes de la película las encontramos en las frenéticas carreras que nos muestran, muy bien rodadas, emocionantes pero escasas, dejándonos con ganas de conocer mejor las rivalidades y el funcionamiento interno de este motorizado mundillo que, aun siendo desconocedores del mismo, lo hemos disfrutado desde la parrilla de salida hasta la bandera de cuadros. 

Mi puntuación: 5/10

Nouvelle Vague

El cineasta norteamericano Richard Linklater se traslada a Francia para ofrecer a los galos un homenaje a una parte sustancial de su cine patrio: la “Nouvelle Vague”, esa corriente cinematográfica nacida en las entrañas de la revista “Cahiers du Cinéma” que intentó en los años sesenta reformular el cine desde posicionas heterodoxas. El gran representante de aquella nueva ola fue Jean-Luc Godard, la figura en la que se centra la película. El rodaje de Al final de la escapada es recreada por Linklater con rigurosidad en personajes y escenarios; a ratos divertida, las excéntricas ideas y actitudes de Godard se prestan a ello, a ratos ilustrativa de lo que eran aquellas nuevas ideas, de cómo contar historias y ponerlas en celuloide se podía convertir en un caos creativo, un caos que si quedaba evidenciado en la pantalla debía ser por un reflejo necesario de la realidad. Destacadas personalidades de esa década tan influyente, el propio Godard, Truffaut, Melville, Chabrol, Rohmer, y un largo etc., pasan delante de la cámara de Linklater para mostrar la fauna humana que intentó revolucionar el lenguaje del cine. Muy recomendable para recién llegados al conocimiento de la ola sesentera, imprescindible para sus admiradores e incondicionales.

Puntuación @tomgut65: 7/10

The Pitt (2ª Temporada)

El éxito de crítica, público y premios de la entrega inicial ponía las expectativas por las nubes de cara a una segunda que sin duda no ha defraudado. Para logarlo han mantenido los firmes cimientos que sostenían su predecesora y los han reforzado con nuevos e interesantes fichajes que mejoran un reparto de por sí brillante. Por supuesto, la cara más visible de la serie no solo sigue presente, si no que ha ganado protagonismo tras la infinidad de reconocimientos que recibió Noah Wyle interpretando al doctor Robby, convirtiéndose en uno de los personajes más trabajados y tridimensionales de la ficción televisiva actual cuya lucha interna focaliza la trama principal de una temporada con infinidad de ramificaciones argumentales que no dan un respiro en cada uno de los quince capítulos que la componen.

Y es que otra de las claves para que este hospital telenovelesco enganche con tanta vehemencia son las distintas historias de los pacientes que desfilan de forma constante e incesante, y que pese a contar con otro acontecimiento global no tan impactante como el de la anterior entrega, son estos pequeños dramas cotidianos los que calan en el espectador, en ocasiones demasiado. Veremos que nos depara el futuro, pero mientras sigan con este nivel tan alto de actuaciones y guiones, tenemos foso para años.

Mi puntuación: 7/10

Jay Kelly

Jay Kelly es una gran estrella en el ocaso de su carrera; George Clooney lo encarna y, aunque pueda parecerlo, no es una película autobiográfica, tanto el personaje ficticio como el actor real se hallan en un momento vital parecido, lo que ya no podemos tener claro es si Clooney también sufre de una crisis existencial, hasta ahí no llegamos. Porque de esto va esta cinta “netflixniana”, de poner en cuestión la fama, el éxito y toda la vida personal y profesional de una celebridad al entrar en la mediana edad. Dramedia sobre el cine dentro del cine, al fin y al cabo, que progresa un tanto cansinamente entre retazos del pasado y anécdotas del presente para lucimiento de los tics habituales del que fuera prota de "Michael Clayton" o Los idus de marzo. Sacar chicha se le puede sacar, pero tampoco se presta demasiado a ello.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Muy lejos

La contención y la insinuación son dos de los pilares de este largometraje que cuenta poco con palabras, dejando al espectador que se deje guiar por la suposición para tomar sus propias conclusiones. La herramienta para lograr tal fin es principalmente la actuación de Mario Casas en uno de los mejores y más desafiantes papeles de su carrera. Más allá de esto, lo que presenciamos son momentos cotidianos de una persona desubicada física y mentalmente; vemos como aprende un nuevo idioma, lava platos, duerme en su cama, camina por la calle, carga trastos y habla de asuntos, en su mayoría irrelevantes, con individuos variados. Todo forma parte de un camino que su protagonista quiere, o mejor dicho necesita recorrer solo, pero asistir en pantalla a esta introspección personal casi espiritual de una metamorfosis tan gradual puede resultar farragosa para cierto tipo de espectadores. 

Mi puntuación: 5/10

Michael

Los biopics sobre mitos de la música se han puesto de moda últimamente con películas sobre Freddie Mercury, Elvis Presley o Elton John, y por supuesto no podía faltar uno de los más grandes, Michael Jackson, y al igual que los demás, dos son las claves que lo hacen funcionar. La primera es la música, mérito del artista original, la cual, solo con escucharla, te eriza la piel y te dan ganas de mover el esqueleto evocando a una época mágica. La segunda es la actuación de su protagonista, en este caso el sobrino del propio rey del pop, quien se convierte en una réplica a nivel visual, vocal y danzante de su tío, siendo con diferencia lo mejor de la película.

En lo formal estamos ante una narración contada de forma directa, en orden cronológico y de manera funcional, que en los momentos dramáticos no hace sangre para centrar toda la atención en unos números musicales espectaculares. Eso sí, este largometraje solo cubre la primera mitad de la vida de Michael Jackson, su época más polémica se ha dejado para una o varias secuelas que veremos si salen a la luz.

Mi puntuación: 7/10

Nine Days

Alegoría sobre el origen de la vida, no de la vida física como tal, si no la esencia de ella, lo que llamamos alma, y la conciencia, el conocimiento y las experiencias vitales que la conforman: Un hombre, quizá divino o cercano a la divinidad, juzga y decide que almas neonatas podrán ocupar el espacio en el mundo que ha dejado una persona al morir. Todas tienen nueve días para convencer de su idoneidad para trascender a la existencia corporal. Puede parecer un embrollo metafísico, pero su director y guionista, el brasileño Edson Oda, controla cualquier tentación de enredar con cuestiones y simbolismos que solo entendería él; el significado del mensaje queda meridianamente claro, y el epílogo lo eleva hasta emocionar a los reacios. Como leer uno de esos libros de autoayuda, aunque en este caso sí que puede servir de algo.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Narciso negro

Religión y psicología unidas en un drama situado en el exótico Himalaya con un quinteto de monjas metidas en una ardua encrucijada de moral y disciplina severas, arcaicas tradiciones, clima riguroso y pulsiones sexuales reprimidas. Eso sí, sin alborotar demasiado en aquel 1947 -aunque la censura americana entrara a recortar quedó un contenido subliminal evidente- a las mentes bien pensantes de la época. La película ha trascendido a los anales de grandes clásicos por mor del audaz argumento, el tiempo transcurrido ha atenuado su carga morbosa, y el preciosista diseño de producción, pero indudablemente la espléndida fotografía de Jack Cardiff, convierte a los colores e iluminación en tan protagonistas como el elenco actoral. En este último apartado merecen especial reconocimiento el trabajo de dos actrices: la admirable, como siempre, Deborah Kerr, y Kathleen Byron, arrolladora al representar una mente trastornada por los celos. La dupla de directores, Michael Powell y Emeric Prerssburger, lograron realizar una obra de gran impacto visual y narrativo que se mantiene a pesar del paso de las décadas.

Puntuación @tomgut65: 7/10