Made in USA

Jean-Luc Godard persistía en el método, o en su ausencia, de la Nouvelle Vague, el movimiento que ya se había convertido en sinónimo de rebeldía, experimentación e iconoclasia; una corriente que empezaba a dar síntomas de reiteración, de desgaste, aunque el cineasta francosuizo se negara a la rendición estilística. Un ejemplo de ello puede ser esta “Made in USA”, una nueva aliteración caótica, especie de retorsión del género policíaco, que protagonizó su hasta entonces musa Anna Karina en la última colaboración entre la actriz y el director. Lo bueno y lo menos bueno de Godard se reúnen en una trama confusa, no podía ser de otra manera, salpicada de los consabidos mensajes cinéfilos y, sobre todo, políticos sobre derecha e izquierda, comunismo contra fascismo, conceptos que formaban parte esencial de las motivaciones intelectuales del creador. Obligada cinta para adeptos, el resto puede prescindir.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Nine Days

Alegoría sobre el origen de la vida, no de la vida física como tal, si no la esencia de ella, lo que llamamos alma, y la conciencia, el conocimiento y las experiencias vitales que la conforman: Un hombre, quizá divino o cercano a la divinidad, juzga y decide que almas neonatas podrán ocupar el espacio en el mundo que ha dejado una persona al morir. Todas tienen nueve días para convencer de su idoneidad para trascender a la existencia corporal. Puede parecer un embrollo metafísico, pero su director y guionista, el brasileño Edson Oda, controla cualquier tentación de enredar con cuestiones y simbolismos que solo entendería él; el significado del mensaje queda meridianamente claro, y el epílogo lo eleva hasta emocionar a los reacios. Como leer uno de esos libros de autoayuda, aunque en este caso sí que puede servir de algo.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Narciso negro

Religión y psicología unidas en un drama situado en el exótico Himalaya con un quinteto de monjas metidas en una ardua encrucijada de moral y disciplina severas, arcaicas tradiciones, clima riguroso y pulsiones sexuales reprimidas. Eso sí, sin alborotar demasiado en aquel 1947 -aunque la censura americana entrara a recortar quedó un contenido subliminal evidente- a las mentes bien pensantes de la época. La película ha trascendido a los anales de grandes clásicos por mor del audaz argumento, el tiempo transcurrido ha atenuado su carga morbosa, y el preciosista diseño de producción, pero indudablemente la espléndida fotografía de Jack Cardiff, convierte a los colores e iluminación en tan protagonistas como el elenco actoral. En este último apartado merecen especial reconocimiento el trabajo de dos actrices: la admirable, como siempre, Deborah Kerr, y Kathleen Byron, arrolladora al representar una mente trastornada por los celos. La dupla de directores, Michael Powell y Emeric Prerssburger, lograron realizar una obra de gran impacto visual y narrativo que se mantiene a pesar del paso de las décadas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Open range

El conflicto entre ganaderos trashumantes y rancheros en Estados Unidos tras la guerra civil sirve de trasfondo a un western de raíces clásicas dirigido e interpretado por el mismo Costner, duro y carismático, al que acompañan Robert Duvall, siempre impecable, y Annette Bening, unión óptima de fortaleza y dulzura. En la película convergen varios arquetipos del género: la venganza y la redención, la amistad y la lealtad, la violencia y los duelos a muerte y, como no, una emotiva historia de amor. Rodada con pulso firme por Costner, tanto en las magníficas secuencias en las praderas como en las del tiroteo por las calles de un poblado que tiene, sin duda, resonancias directas con el histórico, y también muy cinematográfico, acaecido en el OK Corral de Tombstone en 1881. Junto a “Bailando con Lobos” forman una dupla notable sobre el mitificado Oeste americano que el actor y director ha intentado extender en la saga reciente “Horizon”, pero con menor fortuna.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Cowboy de medianoche

La célebre canción de Harry Nilsson "Everybody's talkin'" marca la pauta desde el inicio al reverso del sueño americano retratado por John Schlesinger en 1969: Dustin Hoffman y Jon Voight personifican a dos perdedores que sucumben en las calles de Nueva York a una ensoñación convertida en pesadilla de hambre y frio, miseria y desesperación. Hoffman es la realidad con la que ha de confrontar el falso cowboy Voight, un ingenuo recién llegado desde Texas a la Gran Manzana buscando convertirse en prostituto de lujo para señoras de la Jet Society. Película tan dura como reveladora de la sociedad capitalista que, a pesar del patetismo que empapa a los dos protagonistas, mantiene una luz de esperanza representada en la soleada Miami, símbolo de una posible nueva vida. Sea como sea, el mundo seguirá adelante pase lo que pase con un par de desgraciados. Obra ante la que es imposible la indiferencia, tal es su poder de impacto; si no es una obra maestra roza el palo de la maestría.

Puntuación @tomgut65: 9/10

Yo vigilo el camino

John Frankenheimer, un “outsider” de la industria cinematográfica norteamericana, por lo tanto, siempre a su aire y llevando la contraria, tuvo la ocurrencia de dar a Gregory Peck, una estrella que personificaba la honradez y la integridad del hombre medio, el papel de un veterano sheriff rural que pierde el oremus por una joven y bella mujer. Peck lo bordó con ese personaje contradictorio al ser capaz de llevarlo, coherentemente, desde la pérdida del mínimo sentido común hasta el mayor patetismo que se pueda concebir; un drama sobre la madurez y la pasión otoñal que deriva en un thriller sombrío e inusual en esa América profunda en la que corre el alcohol ilegal y la “white trash” campa a sus anchas. La banda sonora de Johnny Cash, el más célebre representante de la historia de la música “country”, acentúa el carácter fatalista de la narración a la vez que subraya también el ámbito rústico y deprimente de la película. Producción a recordar y reivindicar por los tres factores mencionados: director, actor protagonista y banda sonora.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Grupo salvaje

Una banda de atracadores viejos y cansados ansían el retiro tras dar un último gran golpe. Western de los denominados crepusculares que la mano de Sam Peckinpah convirtió en algo más que un clásico, en todo un manifiesto sobre el cambio de los tiempos, de la llegada de unos valores nuevos en los que ya no caben límites morales ni códigos de honor. Metáfora también, en aquel 1969, del fin de un género que precisaba de renovación, más que de revisión, ante una muerte previsible que ha rondado muy cerca hasta hoy día sin que acabe por llegar definitivamente. Quién mejor que Peckinpah, un cineasta innovador con la estilización de la violencia como marca propia, para llevar a término esta elegía encabezada por veteranas estrellas -William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O’Brien- venidas a menos, pero aun con el brillo incólume del talento. Película hiperviolenta desde sus primeras secuencias hasta el baño de sangre final, ya mítico, con una ametralladora, símbolo de una modernidad imparable, convertida en protagonista inusitada. Rompedora también, mantiene intacto el valor cinematográfico y testimonial de una época finiquitada, la añorada por quienes aprecian la era dorada del tópicamente denominado séptimo arte.

Puntuación @tomgut65: 9/10

Sueños de trenes

A principios del pasado siglo el ferrocarril era el medio de expansión de una Norteamérica que habría de convertirse en la mayor potencia económica global, los raíles se iban extendiendo como una tela de araña por toda la geografía. En ese entorno surge la figura de Robert Grainier (Joel Edgerton), un leñador solitario y circunspecto perdido en un mundo que le es ajeno y que, pese a todo, logra alcanzar algo parecido a una vida perfecta, pero la fatalidad le obligará volver a una soledad de vanas esperanzas. Drama existencial con todas las de la ley sobre el sentido de la vida en sociedad, sobre la naturaleza como refugio, origen y final y sobre lo que realmente importa, con el tren como símbolo de lo que ha de venir inevitablemente, de ese cambio total y definitivo del paradigma social hacia la modernidad tecnológica. Magnífica fotografía que resalta sobremanera el entorno natural con una cadencia pausada, reflexiva y nostálgica por una forma de vida ya desaparecida. Es la apuesta de Netflix para los Oscar del 2025; seguramente alguna de las estatuillas doradas le va a caer.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Hostiles

Un western sobre el odio, el de un veterano militar (Christian Bale) asqueado por el mal que ha presenciado y combatido provocando males mayores, el de una mujer a la que han asesinado a toda su familia (Rosamund Pike) y el de un viejo y moribundo jefe indio (Wes Studi) que ha sufrido tanto dolor como el que ha causado. Tres seres aquejados con la peor de las aflicciones que han de compartir viaje a su pesar aprendiendo a superar rencores. El guionista y director Scott Cooper profundiza en la psicología de estos protagonistas sin renunciar a la espectacularidad de las praderas norteamericanas ni a las escenas de violencia en una narración sombría, pesimista, de tensión latente en todo momento, pero que peca de un exceso de esquematismo en el dibujo de personajes y de situaciones arquetípicas. Con todo, posee fuerzas sobradas en casting y guion como para merecer atención.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Succession (Serie completa)

Cuatro temporadas para treinta y nueve episodios de gran impacto entre seriéfilos de élite y elitistas, esos que no se avienen a las series convencionales para público poco exigente, léase las CSI o similares con capítulos autoconclusivos que no trascienden más allá de su éxito temporal. Y es que en “Succession” no pegan un solo tiro, no apuñalan -literalmente- a nadie y ni tan siquiera corre una gota de sangre en momento alguno, se trata de una trama densa, compleja, de ambiciones, y su consiguiente surtido de traiciones, en una disfuncional familia poderosa y ultramillonaria: los Roy son la estirpe y Waystar Royco la compañía que controlan dedicada a todo tipo de entretenimiento de masas, desde las noticias y canales temáticos hasta parques de atracciones o cruceros intercontinentales, es decir, un inmenso conglomerado que puede influir en la opinión pública e incluso actuar decisivamente en la elección del presidente de los EE.UU. El fundador y dueño de la compañía es Logan Roy (Brian Cox), un anciano de salud frágil, pero que mantiene un férreo y tiránico control tanto de los negocios como de sus cuatro hijos. Sus vástagos son Connor Roy (Alan Ruck), el mayor y fruto de la primer matrimonio del magnate y poseedor de un carácter extravagante que lo mantiene alejado de las decisiones empresariales de su familia; el segundo por edad, y como sus otros dos hermanos menores hijos de la segunda esposa del patriarca Logan, es Kendall (Jeremy Strong), un hombre inseguro y dubitativo, propenso a las adicciones, pero con anhelos de poder; le sigue Shiv (Sarah Snook), joven y de fuerte temperamento que parece preferir quedar fuera de los negocios familiares, aunque, en realidad, no duda en implicarse totalmente llegado el momento; por último tenemos a Roman (Kieran Culkin), inestable y autodestructivo, derrochando cinismo y sarcasmo a todo pasto siendo, realmente, el más endeble de todos. Alrededor de padre e hijos se mueven Tom Wambsgans (Matthew Macfadyen), prometido de Shiv y un trepa lameculos que hará lo necesario para tocar poder, asimismo Greg Hirsch (Nicholas Braun), sobrino del Gran jefe Logan, enchufado en la empresa y el que recibe palos de todos lados. Por ahí también aparecen directivos y ejecutivos de Waystar Royco que unas veces se rebelan y otras, las más, son simples lacayos a las órdenes y caprichos de todos los Roy.

El regreso de Ulises

La Odisea de Homero narra el accidentado camino de vuelta de Ulises tras dos lustros de guerra contra Troya; otros diez años de peripecias que culminan con la llegada del héroe a Ítaca, la isla de la que es rey y en la que le esperan esposa, Penélope, e hijo, Telémaco. De este reencuentro trata la película de Uberto Pasolini -”Nunca es demasiado tarde" (2013), “Cerca de ti” (2020)- y que podría ser, perfectamente, parte del epílogo de la esperada versión del poema homérico que ha dirigido Christopher Nolan. Al contrario de la obra original, la película de Pasolini obvia cualquier intervención divina para enfatizar el enfoque laico, realista y dramático del regreso del héroe a su tierra. Ralph Fiennes lo encarna, Juliette Binoche a su vez a la reina, ambos con plena convicción y entrega al papel; reflejan adecuadamente, por un lado, el dolor y el remordimiento tras una guerra atroz, por el otro la desesperación por dos décadas de espera que han llevado a la ruina a Ítaca. De degustación lenta y austera, la cinta culmina tal y como cuenta la leyenda, no cabe otro modo, ya que en caso contrario habría intercesión celestial y la mismísima Atenea bajaría a poner orden, eso nos gusta creer.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El médico II

Doce años han pasado para la aparición de la secuela de El médico, película de éxito moderado allá por el 2013 basada en la novela superventas de Noah Gordon. En esta ocasión se parte de un guion original, no hay base literaria posterior a la obra inicial: año 1034, Rob Cole, ya convertido en médico, regresa a su Inglaterra natal con la intención de practicar la medicina y abrir una escuela en la que enseñarla. Si en la etapa discipular topó con la intolerancia y la superstición en el medio oriente, los obstáculos en su tierra no serán muy diferentes, incluso agravados por el enorme atraso de los conocimientos sanitarios. Pasamos, pues, por un proceso similar a la primera cinta, la lucha desigual contra fuerzas poderosas imbuidas de un feroz fanatismo.

Por si fuera poco, Cole ha perdido a su mujer y ha de cuidar de un hijo neonato en plenas luchas intestinas por el poder en el Reino anglosajón. Los múltiples acontecimientos en rápida sucesión no dan un respiro al espectador, los personajes entran y salen sin profundizar demasiado en motivaciones o consecuencias más allá de las evidentes; en ese aspecto difiere, para mal, de la primera película, en ella conocíamos bien todo lo que empujaba las aspiraciones del personaje principal y los secundarios gozaban de un mayor sentido. Por lo demás, en lo formal mantiene el buen nivel en ambientación y escenografía por lo que como espectáculo cinematográfico no puede haber objeción alguna.

Son muchas las teclas que toca esta producción germana, así que no es descartable una segunda secuela si salen las cuentas en las taquillas y obtiene un buen balance al pasar por las plataformas, cada día más importantes en la rentabilidad de las producciones tras la exhibición en las grandes pantallas de los cines.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Mini crítica de "El médico".

Masculino, femenino

Mediados de los sesenta, Godard profundizaba en las ideas políticas de izquierdas, siempre desde una óptica escéptica, desencantada, aunque firme en los valores básicos de libertad, persecución de la utopía y de la búsqueda de alternativas a lo establecido. La plasmación de tales conceptos, y continuando el itinerario ácrata de la Nouvelle Vague, la encontramos en esta película de 1966 en la que el cineasta francosuizo habla de liberación sexual, de juventud desnortada, amor, desamor y de cultura popular e intelectualidad, la que siempre ha impregnado su obra. La protagoniza Jean-Pierre Léaud -habitual alter ego del otro grande de la nueva ola francesa, François Truffaut- que encarna a un joven idealista y mujeriego que vaga por la sociedad en pos de certezas. Podría parecer a primera vista una sucesión de banalidades insustanciales, pero su frescura y desvergüenza formal le aportan tanto valor como a cualquier otra obra anterior de Godard; de la magnitud de Banda aparte o Alphaville no es, y aun así se halla entre las de mayor significación en la etapa inicial y más creativa del prolífico director.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El médico

Novela de Noah Gordon, bestseller histórico que dio el campanazo allá por el 1986. En 2013, con capital, dirección y equipo alemanes y un elenco actoral eminentemente británico llegó la adaptación a la gran pantalla. Es la historia de Rob Cole, un joven inglés durante el siglo XI al que su vocación le lleva al medio oriente para estudiar medicina con un eminente erudito. Un viaje iniciático sobre la búsqueda del conocimiento y el choque entre las tres grandes religiones monoteístas: cristianismo, judaísmo e islam. Si bien la ambientación es notable, la precisión histórica brilla por su ausencia, se obvia olímpicamente cualquier barrera idiomática, todo quisque habla el mismo idioma, sea de aquí o de más allá, por lo que la película evita meterse en embrollos de subtítulos o doblajes inverosímiles. Esa y otras licencias argumentales y narrativas no empañan la atractiva envoltura del producto, la eficacia de su exposición visual y ficcionaria pese a saltarse en gran medida la obra literaria que le dio origen. Ha disfrutado de mayor éxito al pasar por las plataformas de streaming del que gozó en las salas oscuras, eso ha facilitado la aparición de una secuela doce años después. El signo de los tiempos.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Abigail

Una "inocente" cría de doce años deshace los planes lucrativos de una banda de delincuentes profesionales a base de decapitaciones y mordiscos en la yugular; vamos desde el thriller sobre el rapto de una niña hacia un desbarrado festival de sangre, o sea, del suspense a la comedia fantaterrorífica en una inopinada transición argumental que proporciona diversión desacomplejada. No le debemos buscar tres pies al gato, evidentemente la peli no resistiría un mínimo análisis sobre el sentido y la coherencia del guion, de lo que se trata es de dar vueltas de tuerca a unos géneros siempre encorsetados en busca del sano jolgorio con la connivencia necesaria del público. Para ello cuenta con un atrayente elenco de actores, entre los que destaca el británico Dan Stevens con un personaje descarado y del todo amoral que proporciona un colofón digno de la desatada locura previa. Denle una oportunidad, la merece.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Fall

Sobre vértigo, en el sentido más literal de la palabra, va la película que nos ocupa: dos mujeres jóvenes atrapadas en lo alto de una torre de TV abandonada a seiscientos metros del suelo sin esperanzas de ayuda y, por si fuera poco, un par de giros argumentales añaden inquietud a la situación. Thriller de supervivencia de altos vuelos -chascarrillo obligatorio- que en el aspecto técnico es casi una virguería, a los aquejados de acrofobia nos hace temblar las piernas en muchos momentos, sin que pase de ahí su alcance dramático a pesar de los conflictos y traumas personales que arrastran las protagonistas; la situación es ya lo suficientemente impactante por lo que son superfluos los rollos sentimentales, psicológicos o de autosuperación que se abordan en el guion. Efectiva y efectista, cumple con su objetivo principal, poner el corazón en un puño al personal.

Puntuación @tomgut65: 5/10

La venganza de Ulzana

Un Burt Lancaster maduro interpreta a McIntosh, escéptico y descreído explorador del ejército de vuelta de todo en la vida. Junto a un destacamento de la Caballería ha de dar caza a un grupo de apaches rebeldes huidos de la reserva que, liderados por el Ulzana del título, destruyen sin piedad todo lo que y a quién encuentran a su paso. Visión desoladora del ser humano, sea blanco o indio: uno por los prejuicios racistas, el otro empujado a la brutalidad por el exterminio ante el que se ve abocado. El director Robert Aldrich muestra tal enfrentamiento en secuencias de una violencia feroz y desmitificadora de ese oeste clásico con héroes inmaculados para revelar en su lugar otro real, sucio, sin concesiones moralistas. Notable cinta de género que se sumó en aquel 1972 a los denominados posteriormente westerns crepusculares.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Barbarian

Las primeras secuencias son maniobras de distracción por el supuesto rumbo directo hacia el que se dirigen: el psychothriller. Y ciertamente así es, pero irrumpe en el momento y modo menos imaginables. En ese punto la locura se desata, el disparate toma los mandos dejando bien claro que el director y guionista Zack Cregger se ha zampado varias veces [•REC], el ya clásico patrio, y no ha podido evitar hacerlo patente. La cinta, antes que miedo lo que provoca es perplejidad frente el absurdo en el que se sumerge; desde su propia lógica interna todo tiene sentido y queda engarzado, aunque como suele pasar en estos casos no debemos buscarle cumplida coherencia o se vendría abajo el negocio. Buen debut en el terror de Cregger, de hecho, se ha colocado en lugar destacado entre los adeptos al género, siempre sedientos de emociones fuertes. 

P.D.: la masculinidad queda en mal lugar. Últimamente en las pantallas sucede con frecuencia.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El golpe 2

La pretensión de secuela de una obra maestra y, por tanto, imbuirse de la gloria que desprendía el original fue su gran error, por sí misma podría haber sido una correcta comedia sobre timos y estafas, como tantas, y aprovecharse del jugoso casting compuesto por actores notorios -Jackie Gleason, Oliver Reed, Mac Davis, Teri Garr o Karl Malden- para elaborar una mascarada con personalidad propia. Pero las comparaciones son odiosas, todo el mundo lo sabe y por algo será, y las segundas partes nunca fueron buenas, con la excepción de El Padrino 2 y poco más, todo el mundo lo dice y tampoco les falta razón. Hagamos, pues, un pequeño ejercicio mental, olvidemos el insigne precedente de George Roy Hill y que hablamos de una derivación y veamos qué nos queda por valorar: una decente producción de limitado ingenio, aunque con momentos francamente divertidos y un elenco desaprovechado que merecía un director de mayor rango. En definitiva, desprende simpatía y requiere ser vista con cierta comprensión y complicidad. La conclusión: para qué una copia teniendo un original magnífico al que difícilmente se podrá siquiera igualar; aun así, no seamos demasiado severos y démosle un poco de indulgencia con un aprobado justito que bastantes palos le han caído ya desde que apareció allá por 1983.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Mini crítica de "El golpe".

Clown in a Cornfield (Cosecha sangrienta)

La saga Terrifier y las dos películas y la serie reciente sobre It, la ciclópea obra de Stephen King, han puesto de nuevo a los payasos asesinos en el candelero del género terrorífico. Hace mucho que los clowns se hallan en el imaginario colectivo del horror cinematográfico y, como pasó hace unos años con los zombis, han vuelto con fuerza para desgracia de los coulrofobos. Un ejemplo de ello es este "slasher" yanqui que une a los cómicos circenses con los “rednecks”, es decir, pueblerinos de la América profunda. La cosa se podría prestar a la chanza y la parodia, pero no es el caso, es muy seria y formal según marcan los cánones, el sentido del humor apenas asoma la nariz, lo que si aparece en la parte final es una carga crítica al trumpismo, a la mentalidad reaccionaria que aun se halla vigente en las generaciones precedentes a las del nuevo milenio. Poco se puede añadir sobre una película correcta en lo formal, pero insustancial en los demás aspectos. Diversión que cumple lo justo y necesario.

Puntuación @tomgut65: 5/10