Made in USA

Jean-Luc Godard persistía en el método, o en su ausencia, de la Nouvelle Vague, el movimiento que ya se había convertido en sinónimo de rebeldía, experimentación e iconoclasia; una corriente que empezaba a dar síntomas de reiteración, de desgaste, aunque el cineasta francosuizo se negara a la rendición estilística. Un ejemplo de ello puede ser esta “Made in USA”, una nueva aliteración caótica, especie de retorsión del género policíaco, que protagonizó su hasta entonces musa Anna Karina en la última colaboración entre la actriz y el director. Lo bueno y lo menos bueno de Godard se reúnen en una trama confusa, no podía ser de otra manera, salpicada de los consabidos mensajes cinéfilos y, sobre todo, políticos sobre derecha e izquierda, comunismo contra fascismo, conceptos que formaban parte esencial de las motivaciones intelectuales del creador. Obligada cinta para adeptos, el resto puede prescindir.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Masculino, femenino

Mediados de los sesenta, Godard profundizaba en las ideas políticas de izquierdas, siempre desde una óptica escéptica, desencantada, aunque firme en los valores básicos de libertad, persecución de la utopía y de la búsqueda de alternativas a lo establecido. La plasmación de tales conceptos, y continuando el itinerario ácrata de la Nouvelle Vague, la encontramos en esta película de 1966 en la que el cineasta francosuizo habla de liberación sexual, de juventud desnortada, amor, desamor y de cultura popular e intelectualidad, la que siempre ha impregnado su obra. La protagoniza Jean-Pierre Léaud -habitual alter ego del otro grande de la nueva ola francesa, François Truffaut- que encarna a un joven idealista y mujeriego que vaga por la sociedad en pos de certezas. Podría parecer a primera vista una sucesión de banalidades insustanciales, pero su frescura y desvergüenza formal le aportan tanto valor como a cualquier otra obra anterior de Godard; de la magnitud de Banda aparte o Alphaville no es, y aun así se halla entre las de mayor significación en la etapa inicial y más creativa del prolífico director.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Here Will Be Done

Drama rural francés que de forma poco sutil, y con simbolismos fáciles de interpretar, nos relata la maduración de una joven criada entre animales, ya sean vacas lecheras o machirulos tóxicos. Este entorno tan "amigable" es mostrado con suciedad y decadencia física y moral, en el único escenario de una granja sitiada de bosques y aldeanos retrógrados, y filmado de manera casi amateur, con largos planos fijos que no se sabe muy bien que quieren retratar y un montaje desordenado y descentrado, en principio hecho a propósito para que todo resulte más orgánico y natural. Sea como sea, lo mejor con diferencia es la interpretación de su protagonista femenina, quien con el paso de los minutos se gana a pulso su lugar ficticio en la historia y real en pantalla, desprendiendo una fuerza interpretativa que por desgracia no se contagia al resto del reparto.

Mi puntuación: 4/10

Arco

Desde Francia nos llega este largometraje de animación que podría haber salido perfectamente de la factoría Ghibli por muchos buenos motivos. Su historia, futurista por partida doble, goza de un mensaje que cala muy bien en los niños de todas las edades, tanto por la amplitud y la certeza con que lo transmite, como por el modo de hacerlo, con mucha acción, aún más ritmo, y visualmente muy llamativo. Pero también los adultos podemos aprender varias lecciones más globales, que una vez finalizados los fugaces ochenta minutos que dura, dejarán un poso, que con suerte, nos harán replantearnos nuestra forma de vida, ahí es nada.

Mi puntuación: 7/10

Pierrot el loco

Última colaboración de Jean-Luc Godard con Jean-Paul Belmondo -en aquel 1965 ya toda una estrella- y penúltima con Anna Karina -casi roto el matrimonio con el director- en una película de mayor renombre que impacto real en la historia del cine. Se la puede considerar una revisión, más que un remake, de la primera obra del cineasta: Al final de la escapada, en la que Belmondo tenía un papel prácticamente idéntico. Lo que entonces era frescura e innovación, entre la improvisación y la heterodoxia, ahora se ha convertido en reiterados discursos sin sentido aparente en el que el atrevimiento ya no es tal; desafío a unas reglas que el mismo Godard ya había deshecho anteriormente con superior fortuna. La etapa primeriza del creador francosuizo y la mejor de su prolífica carrera estaba terminando, aun llegaría alguna cinta destacable de este periodo, e iba hacia una fase de intenso compromiso político y, quizá por ello, menor interés artístico y, sobre todo, cinematográfico.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Anatomía de una caída

Desde Francia cine judicial de línea clásica: una muerte en extrañas circunstancias y la cónyuge del interfecto es señalada por fiscal y policía; un planteamiento tradicional cuyo desarrollo sucede en la sala de un tribunal, aunque no resida ahí todo el vigor dramático de la película, Palma de Oro en Cannes y candidata a cinco Oscars, si no en el ámbito familiar y las dudas que aparecen sobre la realidad de las conductas de marido y esposa en la intimidad. El hijo del matrimonio, un niño invidente, será decisivo en el desenlace. Que nadie espere sorpresas y giros inesperados, tampoco una explicación diáfana de todos los detalles del caso, debe ser el espectador el que decida a quién cree, defensa o acusación, si las pruebas refrendan la inocencia o culpabilidad de la mujer. Vamos, que el guion coloca a la audiencia en el lugar del jurado. Propuesta extensa y descriptiva que requiere de gran atención y que mantiene la expectación hasta el final tal y como obliga el género procesal que tantas glorias ha dado a la historia del cine.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El profesional (Léon)

La impronta de los ochenta se prolongó durante los noventa, al menos los primeros años; prueba de ello la tenemos en esta action movie francesa venida de la mano del director/productor Luc Besson en 1994. Fue el debut y descubrimiento de la talentosa Natalie Portman con doce tiernos añitos y la reconversión de Juan Moreno, alias Jean Reno, de cómico a tipo duro. Lo que nos dan es un thriller vengativo, algo de drama social, unas gratas escenas de acción descabellada y a Gary Oldman como un cruel y sanguinario policía corrupto. Portman, Reno y Oldman forman un trio dispar que aun así se complementan adecuadamente por obra y gracia de Besson y sus apetencias comerciales y estéticas a lo “american way”. En poco más de cien minutos nos hacen ingerir a todo trapo píldoras de violencia y ternura a partes iguales, un disfrute para los que aprecian esas paradojas emocionales que ofrece con frecuencia el cine.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Lemmy contra Alphaville

El Jean-Luc Godard de los sesenta del siglo pasado experimentaba con cualquier género -musical, drama, comedia, social, político- y en el 65 se decidió por la ciencia ficción. Por ello, podemos ir a Alphaville, la capital de un planeta distópico gobernado por un computador prácticamente omnisciente, el Alpha 60, que controla en nombre de la lógica las vidas de los habitantes privándolos de los sentimientos más primarios como el amor o el deseo y de ambiciones personales para convertirlos en seres insensibles fácilmente dominables.

El cineasta francosuizo muestra un destacable talento para la anticipación; durante los casi cien minutos de narración nos habla de inteligencia artificial (en un remedo de Hal 9000, el ordenador rebelde y asesino de "2001: Una odisea del espacio" del entonces futuro 1968), de la tecnificación deshumanizadora, del aislamiento y de la insolidaridad, en fin, de muchas de esas problemáticas que el nuevo milenio ha acentuado por la excesiva presencia en nuestra sociedad de internet y las redes sociales. Es seguramente la mejor obra de Godard, ha sido y sigue siendo gran influencia posterior, desde "Blade Runner" en la estética visual o la narrativa al estilo del cine negro, hasta "La naranja mecánica", "Matrix", "Dark City", "Gattaca", por citar unos pocos ejemplos.

Una opción, en definitiva, sustanciosa para el cinéfago capaz de hallar referencias previas o posteriores a la aparición de la película y pasarlo en grande al identificarlas y, si se presta, polemizar con otros afectados por eso del séptimo arte.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Oxígeno

Un ataúd, un coche, una cabina telefónica, un ascensor y ahora una cápsula de criogenización, son algunos de los lugares más pequeños y claustrofóbicos donde se ha desarrollado una película en las que su protagonista debe solucionar un problema, normalmente, salir de su encierro. Y en la mayoría de ocasiones este escenario exclusivo ha sido suficiente para brindarnos una historia estimulante, con buen ritmo y con giros de guion, como en el caso que nos ocupa, que esta vez ha querido ir aún más lejos. Para no caer en spoilers, solo diremos que el trabajo su actriz principal, y única que aparece en pantalla, es formidable, y si bien hay que dar un salto de fe para creerse ciertas revelaciones, si no le das muchas vueltas ni le buscas los tres pies al gato, el disfrute está garantizado en los poco más de noventa minutos que dura.

Mi puntuación: 6/10

La Damnée

Una pandemia aún más cruenta que la sufrida en dos mil veinte, en prácticamente un único, mugriento y claustrofóbico escenario, y una actriz pletórica y desatada que eleva la locura al cuadrado, son las piezas que componen esta producción francesa, que con lo justo y necesario, pero muy bien aprovechado, nos somete a una intensa experiencia a lo largo de ochenta agobiantes minutos. De este modo nos adentramos en la mente de su protagonista mientras descubrimos su pasado familiar y sobrevive a su situación actual, en un largometraje que juega con un público que no sabe cuanto de lo que está presenciando es realidad, imaginación, brujería, o enajenación, aunque si no tienes cuidado y te dejas llevar por esta inquietante propuesta, serás tu quien acabe mal de la cabeza, si no lo estás ya...

Mi puntuación: 7/10

MadS

¡Qué buenos son los franceses cuando se quieren poner violentos, turbios y malrrolleros! Rodada en “un único” plano secuencia y derrochando una planificación de dirección perfecta, grandes interpretaciones y un sonido impresionante, Mads nos cuenta la historia de un chico que en el camino que hay desde dónde está su camello a su casa, accidentalmente se encuentra con una chica malherida, muy violenta y que no habla porque no tiene lengua. ¿Qué puede salir mal? ¡Pues todo! Virus letal, pre pandemia mundial, drogas, zombies, muertes… y eso que el chico sólo quería irse de fiesta.

Puntuación @m_aguilarl: 7/10

The Soul Eater (Las desapariciones)

Del otro lado de los Pirineos llega un psychothriller seguidor fiel de la ortodoxia del género: dos policías brillantes cada uno con un pasado traumático, niños desaparecidos y crímenes sangrientos e inexplicables. A todos, más o menos cinéfilos, nos suenan las premisas, por lo tanto, sorpresas pocas, salvo al desvelar al asesino o asesinos al final. Producción de lujo y técnicamente irreprochable, los franceses son tan competentes en ese aspecto como cualquiera, y actores de alto standing galo como Virginie Ledoyen y Sandrine Bonnaire a la cabeza, condiciones idóneas para presentar en sociedad un producto que funcione en taquilla y, por supuesto, en las plataformas.

Este género no suele ser de acción vertiginosa, aunque siempre hay excepciones, y tampoco lo es la cinta de la que hablamos; secuencias lentas y mucha reflexión policial es primordial para dar el tono adecuado, y eso es lo que asimismo no ofrece la cinta francesa, al igual que tensión creciente hasta el estallido definitivo. Quién decida verla ya puede saber que la película no rompe con la tradición y, además, pasará un buen rato compartiendo cacería.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Planète B

Cine de cárceles virtuales. Podría ser un nuevo subgénero inaugurado por esta película francesa que encabeza la estrella gala Adèle Exarchopoulos, lo mejor con diferencia de la función. Nuestra heroína se faja con los malos en una futura Francia fascistizada; en eso la cinta no esconde sus querencias izquierdistas, además y por extensión el ecologismo no puede faltar a la cita. Pues eso, muchas ínfulas políticas y sociales, todo legítimo y comprensible en tiempos de polarización, pero el resultado es largo y tedioso, además de reiterativo, más de dos horas a base de machaconas escenas de represión, torturas, manipulaciones y todo eso tan visto en el cine político con mejores formas y modos habitualmente. El factor ciencia ficción es superfluo, solo es un añadido que pretende ser novedoso y anticipador, como un aviso para navegantes no comprometidos políticamente. Si estás concienciado te reafirma en tus convicciones, y si no lo estás no te servirá de mucho, ni tan solo de entretenimiento.

Puntuación @tomgut65: 4/10

Call of Water

Drama psicológico con niño, asegurado sufrimiento para protagonistas y espectadores, y si le añadimos un componente fantástico la expectación aumenta exponencialmente. El agua es el leitmotiv, la última causa de todos los males que sufren unos padres desesperados, pero también un motivo para afrontar sus diferencias e intentar solucionarlas. Angustia e incerteza es lo que proyecta la película, pero como es de suponer en este género no se trata únicamente de imaginación infantil desbordada o un principio de esquizofrenia, así que pueden esperar cualquier cosa. Los momentos tiernos abundan, uno no puede evitar emocionarse, y sin ser cine mayestático se disfruta y padece a partes iguales, en eso si alcanza su propósito: acongojados todos.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Meanwhile on Earth

Una de esas películas a medio camino entre el drama psicológico y la fantasía, en ambos aspectos una pretenciosa propuesta que no alcanza a definirse o decidirse por uno o por otro. Para nosotros se trata de un mero ensayo sobre la pérdida, el luto y la superación del dolor envuelto en un homenaje directo a "La invasión de los ladrones de cuerpos" (1956); una ensoñación, en definitiva, de la protagonista en su intento de asumir lo inaceptable por la desaparición de su hermano durante una misión en el espacio. No se le puede negar cierto poder de fascinación, pero a la postre se impone el vacío, da vueltas sobre sí misma sin llegar a una clara conclusión dejando en el espectador la responsabilidad de decidir qué prefiere sobre el epílogo: alucinación o realidad, final feliz o quizá no tanto.

Puntuación @tomgut65: 5/10

El conde de Montecristo

Esta novela francesa de título homónimo, una de las más conocidas de todos los tiempos, ha tenido infinidad de adaptaciones, tanto en la gran como en la pequeña pantalla, con variopintos resultados, pero siempre con la firme base de una épica historia, que en mayor o medida, dependiendo de quien la adapte, logra cautivar al espectador. En esta ocasión va más allá en calidad y duración, que la mayoría de versiones anteriores, y aún tomándose unas cuantas libertades creativas y modificaciones argumentales, capta la esencia de la obra original, con una puesta en escena embriagadora y espectacular y un Edmundo Dantés interpretado de forma solvente, con talante y saber estar. Resulta curioso como a pesar de durar tres horas, se deja en el tintero muchas tramas y no profundiza en ciertas partes del libro como nos gustaría, por lo que ojalá algún día decidan plasmar con total fidelidad y un gran despliegue de medios, esta majestuosa maravilla de la literatura universal.

Mi puntuación: 7/10

El hombre del corazón de hierro

El dueño de la víscera metálica no era otro que Reinhard Heydrich, SS-Obergruppenführer y Reichsprotektor de Chequia al inicio de la ocupación nazi de dicho país. Un militar implacable y despiadado en el ejercicio del poder y que murió tras un atentado cometido por un comando en Praga; fue el único miembro destacado del régimen eliminado durante la Segunda Guerra Mundial. Existe una versión cinematográfica algo anterior sobre estos hechos, Operación Anthropoid, de la que ya hablamos en nuestro blog. La película se divide en dos partes bien diferenciadas: la primera narra el ascenso de Heydrich (Jason Clarke) en el partido nazi y la relación con su esposa (Rosamund Pike), la segunda reconstruye la acción de los comandos que lograron eliminar al dirigente nacionalsocialista.

Ambos segmentos, pese a resumir someramente una cantidad ingente de sucesos históricos dan una visión aceptable e interesante de lo que fueron aquellos tiempos de muerte y exterminio, de represión feroz y resistencia suicida en una más que funcional reconstrucción de escenarios y personajes, aunque se note que no es una producción de alto presupuesto. Es evidentemente maniquea en su totalidad, no podía ser de otra manera, y no se recrea en exceso en dramas personales o en exacerbar el tremendismo, cosa que es de agradecer ya que sería el camino más facilón, pero ayuda a la hora de acercarse a lo que fue la realidad de aquella Europa sacudida hasta los cimientos por el mayor conflicto bélico de la Historia y que la Providencia nos ampare para no repetir y empeorar, si es posible.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Banda aparte

Al final de la escapada y la película en cuestión, "Banda aparte" (1964), son las obras más célebres de Jean-Luc Godard. Forman parte de la etapa primeriza del cineasta francosuizo marcada por la escuela/tendencia denominada Nouvelle Vague que propugnaba la libertad estilística en un intento de renovar el lenguaje cinematográfico. Tres jóvenes, dos chicos y una chica -Anna Karina, musa y pareja del director- bordean la delincuencia buscando dar sentido a sus vidas en un divertido, absurdo y siempre calamitoso periplo expuesto por Godard como una aventura existencial propia de una juventud sin rumbo. Algunas de sus secuencias ya forman parte de la historia del cine como, por ejemplo, la coreografía que se marcan los tres protagonistas y que ha trascendido el tiempo hasta convertirse en icónica. No es una renuncia a la soltura y espontaneidad características del director en aquellos años, pero posee una estructura convencional accesible a un público más amplio y que aun mantiene una lozanía cautivadora.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Mi crimen

Basada en una obra de teatro francesa, esta adaptación a la gran pantalla mantiene la época en la que se ideó y la recrea con ritmo, estilo y un gran reparto, resultando ser una comedia amena y distendida sin altas pretensiones, pero con mucho humor negro. Sin conocer hasta que punto es fiel al libreto original, lo que sí sabemos es que gran parte de la sátira social y mediática que retrata sigue vigente en los tiempos que corren. Y es que pueden pasar casi cien años como es el caso, o incluso mil, que las ambiciones humanas a la hora de lograr la fama a cualquier precio y la desmedida relevancia de la opinión pública, siguen siendo algo que ha ido más y que es mejor tomarse a risa para no llorar.

Mi puntuación: 6/10

Los tres mosqueteros: Milady

Sabíamos que la historia iba a seguir, tanto por la trama que quedaba abierta en su anterior entrega, como por el sutil "continuará" con el que finalizaba. Esto hace que esta continuista película ofrezca lo mismo que la anterior, sin cambios en forma, contenido ni personajes, y arrastrando los mismos defectos, un guion un tanto caótico al igual que algunas escenas de acción, y virtudes, el gran ritmo narrativo y la fuerza de sus protagonistas. El principal problema radica en que, si bien se cierra una puerta argumental, se abre otra en su tramo final que no sabemos si tendrá continuidad, ya que ni aparece un "continuará" como en la primera parte, ni está anunciada una tercera.

Los tres mosqueteros: D'Artagnan

Mi puntuación: 5/10