Made in USA

Jean-Luc Godard persistía en el método, o en su ausencia, de la Nouvelle Vague, el movimiento que ya se había convertido en sinónimo de rebeldía, experimentación e iconoclasia; una corriente que empezaba a dar síntomas de reiteración, de desgaste, aunque el cineasta francosuizo se negara a la rendición estilística. Un ejemplo de ello puede ser esta “Made in USA”, una nueva aliteración caótica, especie de retorsión del género policíaco, que protagonizó su hasta entonces musa Anna Karina en la última colaboración entre la actriz y el director. Lo bueno y lo menos bueno de Godard se reúnen en una trama confusa, no podía ser de otra manera, salpicada de los consabidos mensajes cinéfilos y, sobre todo, políticos sobre derecha e izquierda, comunismo contra fascismo, conceptos que formaban parte esencial de las motivaciones intelectuales del creador. Obligada cinta para adeptos, el resto puede prescindir.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Masculino, femenino

Mediados de los sesenta, Godard profundizaba en las ideas políticas de izquierdas, siempre desde una óptica escéptica, desencantada, aunque firme en los valores básicos de libertad, persecución de la utopía y de la búsqueda de alternativas a lo establecido. La plasmación de tales conceptos, y continuando el itinerario ácrata de la Nouvelle Vague, la encontramos en esta película de 1966 en la que el cineasta francosuizo habla de liberación sexual, de juventud desnortada, amor, desamor y de cultura popular e intelectualidad, la que siempre ha impregnado su obra. La protagoniza Jean-Pierre Léaud -habitual alter ego del otro grande de la nueva ola francesa, François Truffaut- que encarna a un joven idealista y mujeriego que vaga por la sociedad en pos de certezas. Podría parecer a primera vista una sucesión de banalidades insustanciales, pero su frescura y desvergüenza formal le aportan tanto valor como a cualquier otra obra anterior de Godard; de la magnitud de Banda aparte o Alphaville no es, y aun así se halla entre las de mayor significación en la etapa inicial y más creativa del prolífico director.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Kartum

Nadie mejor que Charlton Heston para personificar a un gran héroe británico, el General Charles Gordon, en una película histórica que recreaba la caída de Kartum en 1885. Nada menos que Laurence Olivier encarnaba a su némesis, el Mahdi Ahmed, que auguraba un duelo interpretativo en el que el carisma y la obstinación desmedida de ambos personajes debían ser la base que sostuviera toda la cinta. No fue así, el careo entre ambos protagonistas aparecía apenas en dos o tres breves secuencias por lo que todo el peso recayó en el actor americano, excelente por otra parte. Expectativas frustradas aparte, el competente artesano Basil Dearden elaboró un trabajo eficiente, con aires de superproducción, cargado de épica colonialista y espectacularidad. Combinación grata de historia y aventuras para todos los públicos.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El Dorado

Cultivó prácticamente todos los géneros, desde el drama hasta la comedia, pasando por el bélico, policíaco, histórico, de aventuras, terror, aunque fue en el western donde alcanzaría las mayores cotas de excelencia. Y en "El Dorado", Howard Hawks insiste en el exitoso molde que inició con Río Bravo, posteriormente rematado en Río Lobo, y que pese a relevantes cambios argumentales y de casting -salvo el insustituible John Wayne- mantenía la estructura que tan bien le había funcionado. Porque los conceptos eran los mismos: el valor y la superación ante la adversidad, e incidiendo aún más si cabe en el humor socarrón y la fe en la amistad inquebrantable. En definitiva, una visión orgullosa y mitificadora del oeste norteamericano como alegoría de aquellos Estados Unidos en plena vertebración. En todo caso, cine en esencia y esencial.

Puntuación @tomgut65: 8/10

El bueno, el feo y el malo

El hecho de ver mucho cine durante años de forma constante, ya sea de estreno o clásico, hace que nuestros gustos maduren y que podamos apreciar largometrajes que en su momento, cuando eramos jóvenes inexpertos, no dejaron la huella que merecían. Y un ejemplo de ello es el cierre de la Trilogía del dólar, una obra maestra del séptimo arte en general que colocó a su director entre los más grandes del western (y aún faltaba "Hasta que llegó su hora") junto a John Ford y Howard Hawks.

Una aventura épica y crepuscular que no solo tiene todo lo que debe tener una buena película del oeste, sino que además goza de un contexto histórico bien desarrollado que encaja a la perfección con la trama principal. Al frente del reparto tenemos a unos sublimes Eastwood, Van Cleef y Wallach, aunque es este último quien destaca por encima de los demás, con su sórdida y brillante interpretación de Tuco "el feo", y donde los adjetivos bueno y malo que definen a los otros dos personajes son meramente orientativos.

Tres horas que no dejan margen al aburrimiento para contarnos una epopeya casi "odiseica" que requirió mucho más presupuesto que Por un puñado de dólares o La muerte tenía un precio, para así poder apabullarnos con un despliegue de impresionantes decorados y una cantidad enorme de extras. A todo esto hay que sumarle la banda sonora de Ennio Morricone, una de las mejores de la historia del cine que acompaña a sus tres protagonistas hasta un apoteósico desenlace en el que la piel se queda de gallina hasta la conclusión de los títulos de crédito, y más allá.

Mi puntuación: 9/10

Mini crítica de "Por un puñado de dólares".
Mini crítica de "La muerte tenía un precio".

Viaje alucinante

Muy fiel a la novela original de Isaac Asimov, que ya de por sí desbordaba una fantasía compatible con el rigor científico propio del escritor de origen ruso. En su momento fue una carísima producción por sus cuantiosos efectos especiales que hoy, en plena era digital, parecen pedestres pero que en aquellos momentos supusieron un avance más que notable, y en todo caso logrados y eficaces. Sin grandes estrellas en su reparto, excepto una fulgurante Raquel Welch, que distrajeran el impacto visual, y un acabado moderno adelantado a la época propio del gran director Richard Fleischer. Diversión de primera clase para todos los públicos.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Fahrenheit 451

Distopía, concepto muy en boga últimamente, basada en la obra del gran Ray Bradbury. En una sociedad totalitaria los libros están prohibidos y los bomberos son los encargados de su destrucción, de hecho el título precisa la temperatura a la que arde el papel. El cineasta galo Truffaut abandonó su estilo para rodar, por primera vez en inglés, esta fábula futurista rebosante de simbolismos sobre la sociedad de su tiempo y lo que parecía iba llegar con los años, y las predicciones no parecen muy alejadas de la realidad que vivimos hoy día. Irregular en su conjunto y una excepción en la carrera de su célebre director, no por ello deja de tener un enorme valor que la ha hecho perdurar.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Los profesionales

Estamos ante un western crepuscular en el que un grupo de expertos ya veteranos (los enormes Burt Lancaster, Lee Marvin, Robert Ryan y Woody Strode), son contratados para rescatar a la esposa (una espectacular Claudia Cardinale) de un rico hacendado secuestrada por un revolucionario mejicano. Pero el principal protagonista es el calor y el sol implacable del desierto de Mojave al que Brooks saca el máximo partido, junto a unos brillantes diálogos que reflejan el desencanto por unos ideales frustrados de unos perdedores ya de vuelta de todo y salpicados de un cáustico humor negro. Acción y reflexión en una resultona cinta del gran género norteamericano por excelencia.

Puntuación @tomgut65: 7/10