Muy lejos

La contención y la insinuación son dos de los pilares de este largometraje que cuenta poco con palabras, dejando al espectador que se deje guiar por la suposición para tomar sus propias conclusiones. La herramienta para lograr tal fin es principalmente la actuación de Mario Casas en uno de los mejores y más desafiantes papeles de su carrera. Más allá de esto, lo que presenciamos son momentos cotidianos de una persona desubicada física y mentalmente; vemos como aprende un nuevo idioma, lava platos, duerme en su cama, camina por la calle, carga trastos y habla de asuntos, en su mayoría irrelevantes, con individuos variados. Todo forma parte de un camino que su protagonista quiere, o mejor dicho necesita recorrer solo, pero asistir en pantalla a esta introspección personal casi espiritual de una metamorfosis tan gradual puede resultar farragosa para cierto tipo de espectadores. 

Mi puntuación: 5/10

Michael

Los biopics sobre mitos de la música se han puesto de moda últimamente con películas sobre Freddie Mercury, Elvis Presley o Elton John, y por supuesto no podía faltar uno de los más grandes, Michael Jackson, y al igual que los demás, dos son las claves que lo hacen funcionar. La primera es la música, mérito del artista original, la cual, solo con escucharla, te eriza la piel y te dan ganas de mover el esqueleto evocando a una época mágica. La segunda es la actuación de su protagonista, en este caso el sobrino del propio rey del pop, quien se convierte en una réplica a nivel visual, vocal y danzante de su tío, siendo con diferencia lo mejor de la película.

En lo formal estamos ante una narración contada de forma directa, en orden cronológico y de manera funcional, que en los momentos dramáticos no hace sangre para centrar toda la atención en unos números musicales espectaculares. Eso sí, este largometraje solo cubre la primera mitad de la vida de Michael Jackson, su época más polémica se ha dejado para una o varias secuelas que veremos si salen a la luz.

Mi puntuación: 7/10

Nine Days

Alegoría sobre el origen de la vida, no de la vida física como tal, si no la esencia de ella, lo que llamamos alma, y la conciencia, el conocimiento y las experiencias vitales que la conforman: Un hombre, quizá divino o cercano a la divinidad, juzga y decide que almas neonatas podrán ocupar el espacio en el mundo que ha dejado una persona al morir. Todas tienen nueve días para convencer de su idoneidad para trascender a la existencia corporal. Puede parecer un embrollo metafísico, pero su director y guionista, el brasileño Edson Oda, controla cualquier tentación de enredar con cuestiones y simbolismos que solo entendería él; el significado del mensaje queda meridianamente claro, y el epílogo lo eleva hasta emocionar a los reacios. Como leer uno de esos libros de autoayuda, aunque en este caso sí que puede servir de algo.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Narciso negro

Religión y psicología unidas en un drama situado en el exótico Himalaya con un quinteto de monjas metidas en una ardua encrucijada de moral y disciplina severas, arcaicas tradiciones, clima riguroso y pulsiones sexuales reprimidas. Eso sí, sin alborotar demasiado en aquel 1947 -aunque la censura americana entrara a recortar quedó un contenido subliminal evidente- a las mentes bien pensantes de la época. La película ha trascendido a los anales de grandes clásicos por mor del audaz argumento, el tiempo transcurrido ha atenuado su carga morbosa, y el preciosista diseño de producción, pero indudablemente la espléndida fotografía de Jack Cardiff, convierte a los colores e iluminación en tan protagonistas como el elenco actoral. En este último apartado merecen especial reconocimiento el trabajo de dos actrices: la admirable, como siempre, Deborah Kerr, y Kathleen Byron, arrolladora al representar una mente trastornada por los celos. La dupla de directores, Michael Powell y Emeric Prerssburger, lograron realizar una obra de gran impacto visual y narrativo que se mantiene a pesar del paso de las décadas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

La pasión de Cristo

Uno de los momentos clave del cristianismo e icónico de la historia de la humanidad, es recreado de forma fidedigna en contenido y casi en forma también. En lo que cuenta se han trasladado literalmente a la pantalla textos sagrados extraídos de los cuatro Evangelios, y además, lo hace en los idiomas de la época: arameo, hebreo y latín, sin opción de doblaje, y salvo eruditos en lenguas antiguas, con subtítulos obligatorios. En el modo de ejecutarlo, es donde se superan ciertos límites, ya que si la puesta en escena, el diseño de vestuario y el maquillajes son espectaculares, sobra la excesiva secuencia del azotamiento, apenas descrita en los escritos bíblicos, donde la sangre fluye a borbotones y que se ensaña innecesariamente. Todo lo anterior y posterior, sin duda es magistral, desde las sentidas interpretaciones a la soberbia dirección, dejando para la posteridad un documento gráfico duro de presenciar pero artísticamente impresionante.

Mi puntuación: 8/10

Los domingos

Tener fe, en nuestra sociedad actual, sobre todo si es en la religión católica, no está bien visto, y si se lleva más allá, como en el caso que nos relata este largometraje español, las consecuencias pueden ser imprevisibles. Y precisamente en las repercusiones alrededor de una polémica, pero convencida decisión, gira esta historia. Los motivos solo se intuyen o se mencionan de fondo, pero como lo vive su protagonista, familiares y amistades son el eje de una trama que no habría sido posible llevar a cabo si no fuera por un excelente reparto que rebosa naturalidad, y lo más importante, credibilidad, encabezado de forma ferviente y totalmente contrapuesta por Patricia López Arnaiz y Blanca Soroa, como tía y sobrina respectivamente. Ellas dos aportan puntos de vista, que tras los créditos, generarán debate en las mentes más inquietas, y sobre el que la película aporta las herramientas para iniciarlo pero sin elegir bando en algo tan personal como difícil de asimilar.

Mi puntuación: 7/10

Cowboy de medianoche

La célebre canción de Harry Nilsson "Everybody's talkin'" marca la pauta desde el inicio al reverso del sueño americano retratado por John Schlesinger en 1969: Dustin Hoffman y Jon Voight personifican a dos perdedores que sucumben en las calles de Nueva York a una ensoñación convertida en pesadilla de hambre y frio, miseria y desesperación. Hoffman es la realidad con la que ha de confrontar el falso cowboy Voight, un ingenuo recién llegado desde Texas a la Gran Manzana buscando convertirse en prostituto de lujo para señoras de la Jet Society. Película tan dura como reveladora de la sociedad capitalista que, a pesar del patetismo que empapa a los dos protagonistas, mantiene una luz de esperanza representada en la soleada Miami, símbolo de una posible nueva vida. Sea como sea, el mundo seguirá adelante pase lo que pase con un par de desgraciados. Obra ante la que es imposible la indiferencia, tal es su poder de impacto; si no es una obra maestra roza el palo de la maestría.

Puntuación @tomgut65: 9/10

Yo vigilo el camino

John Frankenheimer, un “outsider” de la industria cinematográfica norteamericana, por lo tanto, siempre a su aire y llevando la contraria, tuvo la ocurrencia de dar a Gregory Peck, una estrella que personificaba la honradez y la integridad del hombre medio, el papel de un veterano sheriff rural que pierde el oremus por una joven y bella mujer. Peck lo bordó con ese personaje contradictorio al ser capaz de llevarlo, coherentemente, desde la pérdida del mínimo sentido común hasta el mayor patetismo que se pueda concebir; un drama sobre la madurez y la pasión otoñal que deriva en un thriller sombrío e inusual en esa América profunda en la que corre el alcohol ilegal y la “white trash” campa a sus anchas. La banda sonora de Johnny Cash, el más célebre representante de la historia de la música “country”, acentúa el carácter fatalista de la narración a la vez que subraya también el ámbito rústico y deprimente de la película. Producción a recordar y reivindicar por los tres factores mencionados: director, actor protagonista y banda sonora.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El amor y otras cosas imposibles

Hecha para el lucimiento de la siempre fabulosa Natalie Portman, la cual, como era de esperar, se adueña de casi todos los planos de la película, con un historia que gira en torno a su personaje y que a pesar de su innegable talento, no resulta suficiente para que la película salga a flote, por culpa principalmente de un guion demasiado genérico cargado de tópicos y un reparto que no está a su altura. La trama, con tintes dramáticos y de superación personal, goza de un tono excesivamente trascendental, enfatizado gracias, o mejor dicho, por culpa de un ritmo demasiado lento, lo cual solo sirve para estirar una idea cargada de buenas intenciones pero que se dedica a dar vueltas sobre lo mismo para no llegar a ninguna parte.  

Mi puntuación: 4/10

Sueños de trenes

A principios del pasado siglo el ferrocarril era el medio de expansión de una Norteamérica que habría de convertirse en la mayor potencia económica global, los raíles se iban extendiendo como una tela de araña por toda la geografía. En ese entorno surge la figura de Robert Grainier (Joel Edgerton), un leñador solitario y circunspecto perdido en un mundo que le es ajeno y que, pese a todo, logra alcanzar algo parecido a una vida perfecta, pero la fatalidad le obligará volver a una soledad de vanas esperanzas. Drama existencial con todas las de la ley sobre el sentido de la vida en sociedad, sobre la naturaleza como refugio, origen y final y sobre lo que realmente importa, con el tren como símbolo de lo que ha de venir inevitablemente, de ese cambio total y definitivo del paradigma social hacia la modernidad tecnológica. Magnífica fotografía que resalta sobremanera el entorno natural con una cadencia pausada, reflexiva y nostálgica por una forma de vida ya desaparecida. Es la apuesta de Netflix para los Oscar del 2025; seguramente alguna de las estatuillas doradas le va a caer.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Caza de brujas

Un tema de actualidad bastante exprimido centra la trama de este largometraje que cuenta con ilustres nombres tanto detrás como delante de la cámara. Y como bien dicen, aunque la mona se vista de seda, en este caso, irrelevante se queda, ya que la historia, pese a la trascendencia que le quieren impregnar a base de diálogos intelectuales y largos planos reflexivos, se queda muy corta y a la vez se hace tan larga y plomiza, que a los noventa de sus casi ciento cincuenta eternos minutos, parece que todo está contado cuando en realidad apenas se ha dicho nada. Justamente la idea es esa, transmitir mucho a través de las miradas, con lo que no se dice o lo que intuye un espectador que debe estar preparado para este tipo de cine que peca demasiado de pedante y presuntuoso eclipsando las cosas buenas que tiene pero que al final, importan muy poco.

Mi puntuación: 4/10

Succession (Serie completa)

Cuatro temporadas para treinta y nueve episodios de gran impacto entre seriéfilos de élite y elitistas, esos que no se avienen a las series convencionales para público poco exigente, léase las CSI o similares con capítulos autoconclusivos que no trascienden más allá de su éxito temporal. Y es que en “Succession” no pegan un solo tiro, no apuñalan -literalmente- a nadie y ni tan siquiera corre una gota de sangre en momento alguno, se trata de una trama densa, compleja, de ambiciones, y su consiguiente surtido de traiciones, en una disfuncional familia poderosa y ultramillonaria: los Roy son la estirpe y Waystar Royco la compañía que controlan dedicada a todo tipo de entretenimiento de masas, desde las noticias y canales temáticos hasta parques de atracciones o cruceros intercontinentales, es decir, un inmenso conglomerado que puede influir en la opinión pública e incluso actuar decisivamente en la elección del presidente de los EE.UU. El fundador y dueño de la compañía es Logan Roy (Brian Cox), un anciano de salud frágil, pero que mantiene un férreo y tiránico control tanto de los negocios como de sus cuatro hijos. Sus vástagos son Connor Roy (Alan Ruck), el mayor y fruto de la primer matrimonio del magnate y poseedor de un carácter extravagante que lo mantiene alejado de las decisiones empresariales de su familia; el segundo por edad, y como sus otros dos hermanos menores hijos de la segunda esposa del patriarca Logan, es Kendall (Jeremy Strong), un hombre inseguro y dubitativo, propenso a las adicciones, pero con anhelos de poder; le sigue Shiv (Sarah Snook), joven y de fuerte temperamento que parece preferir quedar fuera de los negocios familiares, aunque, en realidad, no duda en implicarse totalmente llegado el momento; por último tenemos a Roman (Kieran Culkin), inestable y autodestructivo, derrochando cinismo y sarcasmo a todo pasto siendo, realmente, el más endeble de todos. Alrededor de padre e hijos se mueven Tom Wambsgans (Matthew Macfadyen), prometido de Shiv y un trepa lameculos que hará lo necesario para tocar poder, asimismo Greg Hirsch (Nicholas Braun), sobrino del Gran jefe Logan, enchufado en la empresa y el que recibe palos de todos lados. Por ahí también aparecen directivos y ejecutivos de Waystar Royco que unas veces se rebelan y otras, las más, son simples lacayos a las órdenes y caprichos de todos los Roy.

Hamnet

¿Qué hubiera pasado si Shakespeare...? No desvelaremos más de lo que surge de la mente de la novelista británica Maggie O'Farrell para inventarse una historia alrededor de uno de los escritores más famosos de todos los tiempos que ha inspirado este largometraje. Aunque decimos historia pero deberíamos llamarlo directamente tragedia, ya que casi la mitad de la película te mantiene en una congoja permanente mientras asistes a unos acontecimientos desarrollados con las explicaciones justas, dejando que las imágenes hablen más que las palabras, sin cartelitos para situar al espectador en la acción, tratándolo con un mínimo de inteligencia para que la inmersión sea completa y los sentimientos fluyan desde la pantalla hacía afuera, y los hay a raudales. Por supuesto todo esto no sería posible sin las majestuosas actuaciones de sus dos protagonistas, entrañables y cercanos, pero también imperfectos, en definitiva, humanos con los que es fácil empatizar, incluso demasiado.

Mi puntuación: 8/10

Masculino, femenino

Mediados de los sesenta, Godard profundizaba en las ideas políticas de izquierdas, siempre desde una óptica escéptica, desencantada, aunque firme en los valores básicos de libertad, persecución de la utopía y de la búsqueda de alternativas a lo establecido. La plasmación de tales conceptos, y continuando el itinerario ácrata de la Nouvelle Vague, la encontramos en esta película de 1966 en la que el cineasta francosuizo habla de liberación sexual, de juventud desnortada, amor, desamor y de cultura popular e intelectualidad, la que siempre ha impregnado su obra. La protagoniza Jean-Pierre Léaud -habitual alter ego del otro grande de la nueva ola francesa, François Truffaut- que encarna a un joven idealista y mujeriego que vaga por la sociedad en pos de certezas. Podría parecer a primera vista una sucesión de banalidades insustanciales, pero su frescura y desvergüenza formal le aportan tanto valor como a cualquier otra obra anterior de Godard; de la magnitud de Banda aparte o Alphaville no es, y aun así se halla entre las de mayor significación en la etapa inicial y más creativa del prolífico director.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Fall

Sobre vértigo, en el sentido más literal de la palabra, va la película que nos ocupa: dos mujeres jóvenes atrapadas en lo alto de una torre de TV abandonada a seiscientos metros del suelo sin esperanzas de ayuda y, por si fuera poco, un par de giros argumentales añaden inquietud a la situación. Thriller de supervivencia de altos vuelos -chascarrillo obligatorio- que en el aspecto técnico es casi una virguería, a los aquejados de acrofobia nos hace temblar las piernas en muchos momentos, sin que pase de ahí su alcance dramático a pesar de los conflictos y traumas personales que arrastran las protagonistas; la situación es ya lo suficientemente impactante por lo que son superfluos los rollos sentimentales, psicológicos o de autosuperación que se abordan en el guion. Efectiva y efectista, cumple con su objetivo principal, poner el corazón en un puño al personal.

Puntuación @tomgut65: 5/10

Pluribus (1ª Temporada)

La vuelta al ruedo de Vince Gilligan como creador de series tras arrasar en crítica y público con "Breaking Bad", y posteriormente con Better Call Saul, no podía ser más impactante, insólita y rompedora. Lo que empieza en su primer capítulo, de un total de nueve, como una cinta de terror en la que no se sabe muy bien que está ocurriendo, se acaba convirtiendo en un drama tan personal como global, donde se abordan temas vitales que giran alrededor de la convivencia, la individualidad, la supervivencia y el ecologismo, entre otros tantos de índole muy variopinta, convirtiéndose en un análisis certero e irónico de nuestra forma de vida.

Este cúmulo de cuestiones existenciales, lejos de abrumar al espectador, le atrapan de manera irremediable, en primer lugar para averiguar el modo en el que su protagonista abordará las peculiares situaciones a las que debe enfrentarse, y en consecuencia, planteándote a ti mismo, como actuarías en su pellejo. Y es que, pese al rebuscado y fantasioso contexto mundial, los hechos se desarrollan con la coherencia narrativa necesaria para que resulte creíble, a lo cual ayuda el carácter y talante de la actriz que copa más minutos en pantalla, con quien es fácil empatizar, requisito básico para que te acabe calando hondo una serie, que dentro del saturado mercado de ficciones apocalípticas, distópicas o multiversales, logra destacar por su inteligente y original propuesta.

Mi puntuación: 7/10

Downton Abbey: El gran final

Tercera, y por lo visto última adaptación cinematográfica de una de las series más icónicas de los últimos años que rescata a todo el elenco original, y algún invitado especial, para Darnos una despedida de altar alcurnia, eso sí, sin hacer mucho ruido pero con mucha clase, y sobre todo navegando por olas de los tiempos modernos para sobrevivir en la campiña inglesa, eje y excusa de la trama principal. Muchos personajes ya habían tenido su propio final en los dos largometrajes anteriores o incluso en la propia serie, pero aún así siempre se puede mejorar y poner una puntilla a lo ya contado, y si para eso debemos entrar de nuevo en las vidas de los Grantham, Crawley, Bates y compañía, es un placer de los más agradable y cordial, sin sorpresas desagradables, muy buenos modales y dejándonos al final con un sentimiento de melancolía por todo lo vivido, que por lo visto será la último, pero con la satisfacción de haber presenciado los mejores años de una gran familia, tanto dentro como fuera de la pantalla.

Mi puntuación: 7/10

El otro lado de la vida

Billy Bob Thornton escribió, dirigió e interpretó este drama por el que logró dos nominaciones a los Oscars: la de Mejor actor y la de guion adaptado, según un relato propio y que finalmente se llevó. El sur estadounidense, dónde residen los blancos de las clases más bajas, abundan las familias disfuncionales y los prejuicios; a ese entorno vuelve el discapacitado intelectual Karl (Thornton) tras pasar décadas en un psiquiátrico por cometer un doble homicidio. Vemos, entonces, a Karl intentando superar su situación con la amistad de un niño y algunas personas bienintencionadas frente a un obstáculo que se antoja irresoluble. Historia por momentos tierna y conmovedora, en muchos otros dura y patética. El conjunto causa en el espectador emociones discordantes, desde la simpatía inevitable por un ser que parece ingenuo y bondadoso, hasta la suspicacia al saber de lo que fue capaz en el pasado. El director maneja la narración sembrando la incertidumbre para desembocar en un final que no por presumible deja de ser impactante, turbador.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Escape

Lo que a priori podría parecer una comedia por su planteamiento inicial, es un drama de dimensiones considerables donde el personaje interpretado de forma plausible por Mario Casas extrapola su lucha interna al sistema judicial español. Con el paso de los minutos este tira y afloja que focaliza la trama se va convirtiendo en una tortura para quienes le rodean, con momentos más o menos cómicos de por medio, y otros un tanto surrealistas. Si bien la idea es curiosa a la par que llamativa, el escaso contexto que tenemos de su protagonista, cuyas circunstancias solo conocemos por flashbacks muy concretos y frases sueltas, hacen que no empaticemos con él tanto como cabría esperar, dejando en el limbo distintos temas que seguramente la novela original aborde con mayor profundidad, y eso sí, llevándonos hasta un desenlace que quieras o no, te pondrá la piel de gallina.

Mi puntuación: 5/10

Pequeños calvarios

El título no podía dar más en el "clavo", ya que las cuatro historias que componen este largometraje plasman a la perfección las vicisitudes de la vida cotidiana provocadas por gente que no conocemos, allegados que no lo son tanto o incluso nuestras propias manías. Con un peculiar relojero como engranaje perfectamente engrasado, a través del humor, la ironía, la hiperbolización, y mucha mala baba, nos adentramos en un mundo visualmente embriagador, lleno de colores muy vivos, que se contraponen a las sombras de una sociedad que tortura a los protagonistas de los diferentes relatos con los que es imposible no sentirse identificados. Hay que remarcar, que además del estupendo trabajo de producción y realización, el casting es todo un acierto, con actrices y actores cuya vis cómica es conocida pero que se muestran eficaces cuando el drama hace su aparición. Cine diferente del que escasea en los tiempos que corren, que reimagina las penurias diarias para que nos saquen una sonrisa.

Mi puntuación: 7/10