Stuart no consigue salvar el universo (1ª Temporada)

Cuando alguien piensa en spin-offs de sitcoms, le vienen a la mente series como la excelente Frasier, la aceptable Joey o la más cercana al universo que estamos abordando, El joven Sheldon. Todas son continuistas en forma, mejoran fórmulas de las originales o incluso las reinventan. En este caso, no cumple ninguno de esos factores, y si bien estamos ante una comedia, también se adjudica otro género como el de la ciencia ficción, y por momentos el del surrealismo más desfasado. Una cosa se puede afirmar sin error, los diez episodios de esta primera temporada no dejarán indiferente a nadie, cada uno de ellos narra una paranoia distinta, y muchas veces hasta costará seguir el hilo de qué están haciendo, por qué e incluso dónde. 

Este modo de romper de forma tan extrema con la serie matriz "The Big Bang Theory" solo se puede clasificar como magistral. Han cogido a secundarios excéntricos y muy frikis y los han metido en una situación que pondría en problemas a superhéroes de alto nivel. Y no solo eso, abordan rocambolescos retos con naturalidad y como si fuera algo normal, provocando que los capítulos se conviertan en una montaña rusa de risas y sorpresas condensada en menos de veinte minutos. Una genialidad que demuestra que todavía hay esperanza e inventiva en el estancado y abarrotado mundo de la ficción televisiva. 

Mi puntuación: 8/10

El estrangulador de Rillington Place

Tres años después de El estrangulador de Boston el cineasta Richard Fleischer repetía con un asesino en serie y el método de liquidación de las víctimas, la estrangulación. De nuevo un caso verídico, y como escenario de los crímenes el barrio londinense de Notting Hill: el “respetable” Sr. John R. Christie tenía la propensión a matar mujeres y esconder los cadáveres en su entorno más cercano como Dios, o el diablo, le daba a entender. Rodada en parte en la auténtica localización de los crímenes, la película exuda morbosidad enfermiza por su protagonista, el actor y director Richard Attenborough, tan letal como inocente en apariencia y por la réplica del no menos distinguido intérprete británico John Hurt como el humilde e ingenuo Tim Evans. Los sucesos reales dieron lugar a un notorio y terrible error judicial aun recordado en la Gran Bretaña actual. Como suele pasar en casos parecidos no todo queda aclarado definitivamente, pero de todas maneras el film proporciona una versión de los hechos coherente y fidedigna según afirman las fuentes históricas.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, directores de "The Blair Witch Project", encabezarán la clausura del TerrorMolins 2026

El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei pondrá el punto final a su 45ª edición con una sesión de clausura excepcional que celebrará retrospectivamente el leitmotiv de este año: el found footage. El eje central de la velada será la proyección de la película de clausura, "The Blair Witch Project (1999)", uno de los títulos capitales del género, que contará con la presencia de sus directores, Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Los cineastas estadounidenses no habían vuelto juntos a Europa desde el estreno del filme en el festival de Cannes, en 1999, donde se convirtió en una de las grandes sensaciones. La cita servirá, además, para hacerles entrega del Premi Homenatge del festival en reconocimiento a su papel clave en la reinvención del terror contemporáneo. La sesión se redondeará con la premiere del cortometraje catalán Siempre hay un monstruo, de Gastón Haag, con la asistencia del cineasta y parte del equipo.

Hoppers vs Intercambiados

Quizás porque vi ambas películas con apenas unos días de diferencia, o puede que realmente haya demasiadas similitudes, pero debo confesar que me han parecido dos productos muy parecidos en un par de aspectos clave. Visualmente, ambas están muy logradas, y en el caso de "Hoppers", toma elementos conocidos de nuestro mundo y los humaniza e hiperboliza para llegar a su objetivo. En el caso de "Intercambiados" nos sumerge en un bosque fantasioso con animales inventados que casi parecen Pokémon, con la libertad creativa y de acción que ello conlleva.

Pero donde más coincidencias encontramos es en sus tramas, cuyo desarrollo se centra en que, para empatizar unos con otros, los personajes deben ponerse literalmente en piel ajena. No solo eso, el mensaje principal sobre la naturaleza y varios temas secundarios, como la aceptación personal, el entendimiento mutuo y la familia, son exactamente los mismos. Y la cosa no acaba ahí, para llegar a ese punto, en el clímax de ambos largometrajes se hace uso del mismo catalizador. Son tantas coincidencias que hacen sospechar que el responsable de Pixar que se marchó a la otra empresa de animación tomó prestadas algunas ideas, o puede que fuera al revés, o incluso que todo sean imaginaciones mías para sacarle más provecho a dos películas que, sin estar mal, no son nada del otro mundo.

Mi puntuación: 6/10 vs 5/10

Linkin Park: Unshatter

En dos mil diecisiete la banda estadounidense de "nu metal" Linkin Park se hizo pedazos a raíz de la muerte de uno de sus dos vocalistas, Chester Bennington. Esto provocó que tanto su guitarrista líder como su baterista abandonaran la formación, provocando lo que parecía el fin del grupo. Este documental nos sitúa siete años después para relatarnos cómo lograron recomponer las piezas, física y emocionalmente, para seguir adelante y sacar un nuevo álbum en lo que es, prácticamente un nuevo inicio desde cero.

A lo largo de la película, se intercalan actuaciones en directo con conversaciones y declaraciones de los "supervivientes" junto a la presentación de los nuevos fichajes. Las sensaciones que transmiten, lejos de hurgar en la herida, por momentos parecen demasiado frías y racionales, con más explicaciones que sentimientos. Esto da la impresión de querer justificar los cambios y la continuidad del grupo y, sobre todo, de ensalzar la figura de Emily Armstrong, la nueva cantante que ha sustituido a Chester.

Como fan de Linkin Park desde hace veinticinco años, debo decir que los primeros y últimos compases del documental son los que más me han emocionado. La parte central es más informativa, ideal para descubrir de qué modo rehicieron la banda y lo que pensaba el resto de los miembros, encabezados por Mike Shinoda, sobre continuar pese a la tragedia vivida. Está claro que las heridas no sanarán, pero al final, abandonar o huir no es una buena despedida.

Mi puntuación: 7/10

 

Jurados del TerrorMolins 2026

La Sección Oficial de Largometrajes contará con un jurado de excepción encabezado por el guionista y director Asier Guerricaechebarría (Errementario, 70 Binladens, la serie Mano de hierro), la divulgadora y analista cinematográfica Noelia Guerra, una de las voces de referencia del terror contemporáneo e independiente en las redes sociales, y el cineasta, guionista y diseñador de videojuegos Sergi Vizcaino (XP3D, TIGHT). Por su parte, el jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes estará formado por la realizadora Marie-Hélène Van Thuyne, ganadora del prestigioso Méliès de Plata 2025 con el cortometraje Judy1964, Juan de Castro, director del Galician Freaky Film Festival, y Noemí Navarra, divulgadora, programadora de cine y cofundadora del Walpurgis BCN Queer Horror Film Fest.

Las secciones Being Different y Bloody Madness contarán con un jurado integrado por el comunicador, creador de contenido y experto en cultura pop Jordi G. Montané, colaborador en iCat y Betevé, y autor del libro Casi me muero (y otros hits), el director, guionista y productor Alberto Regueiro, fundador de la productora Amigos Cine Kamikaze (Comida Gratis, Casa Villa) y Elodie Mellado, coordinadora de programación en Filmin especializada en animación y programadora en festivales como el REC de Tarragona o el Festival de Las Palmas.

Dos o tres cosas que yo sé de ella

Se agudizaban las inquietudes políticas de Godard, si bien siempre las tuvo su trayectoria ideológica se iba definiendo conforme avanzaba la década de los sesenta. En este film de 1967, una diatriba anticapitalista, la presión social y familiar, el consumismo y la ausencia de valores empujan a Juliette a la prostitución como remedio a las falsas necesidades creadas por el sistema. El cineasta francosuizo intercala consignas pro socialistas y comunistas, izquierdistas, en definitiva, que en su obra posterior aun serán más directas. El método seguía siendo el marcado por la “Nouvelle vague”, es decir, incumplimiento de cualquier norma narrativa o de continuidad en la búsqueda incansable de nuevas expresiones. Irregular de forma e irregular de resultado, es un punto de inflexión ideológica para Godard, ahí radica la mayor parte de su envergadura.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Víctor Català y Caye Casas protagonizan la inauguración del 45º TerrorMolins con 'Los que vienen' y 'Amor de padre'‘

El TerrorMolins 2026 da a conocer los films que abrirán la 45 edición del festival. La jornada inaugural del próximo viernes 6 de noviembre acogerá el estreno en Cataluña de una producción de factura local, el primer largometraje de Víctor Catalán, Los que vienen, acompañado por el nuevo cortometraje del cineasta Caye Casas, Amor de padre. Se contará con la presencia de ambos directores y parte de sus equipos, que formarán parte de las proyecciones para presentar sus obras ante el público.

El debut de Víctor Catalán, Los que vienen, se sitúa en la Galicia rural del año 1976 para narrar una cena familiar que se ve interrumpida por las incesantes llamadas de un vecino que afirma ser asediada por unas extrañas presencias mientras una amenazante niebla comienza a rodear la casa. Esta propuesta nocturna e impregnada de amor por el género será la encargada de dar el pistoletazo de salida al certamen.

La sesión inaugural se redondeará con el nuevo y esperado cortometraje del cineasta Caye Casas, que sigue haciendo de la incorrección política, la crítica social y el humor negro su sello de identidad en Amor de padre. En esta ocasión, vuelve a aliarse con su actor fetiche, Emilio Gavira (Matar a Dios), a los que se añaden nombres tan reconocidos como Assumpta Serna y Christina Rapado. Con este regreso, Casas revalida su vínculo con el TerrorMolins, que abrió en el 2023 con la celebrada La mesita del comedor, fenómeno que marcó un antes y un después en el panorama del terror de producción catalana.

Obsession

Estamos ante el fenómeno del cine de terror de dos mil veinticinco, que sin reinventar la rueda del género, ha conseguido opiniones muy positivas entre la crítica especializada y el público general. Para lograr esto, se ha hecho uso de la sencillez narrativa para que todo el mundo entienda qué ocurre y por qué, y de la empatía que provoca su "pareja" protagonista, cuyo comportamiento podemos llegar a comprender, hasta cierto punto claro. Y es que durante hora y media asistimos a las consecuencias enfermizas de imponer sentimientos inexistentes con un desarrollo exponencial de acontecimientos que se lleva al extremo con consecuencias terroríficas en su mayor parte, y cómicas en otras, sea o no de forma intencionada. La principal culpable de hacernos sentir todo esto es Inde Navarrete, su protagonista principal y reina del romanticismo más horrorífico, cuyas caras, poses, apariciones, frases y otras lindezas un poco más radicales, logran que te encariñes con ella, quieras o no quieras.

Mi puntuación: 6/10

Resident Evil (2026)

Nuevo intento de relanzar esta popular saga a la gran pantalla que, esta vez, tira por unos fueros más distendidos, pero aún así ciertamente terroríficos. En esta ocasión, el humor, o al menos el comportamiento cómico de su protagonista, es el punto diferencial que le otorga una identidad propia a una película donde la diversión está presente en todo momento. Y es que han puesto al frente de esta aventura a una persona de a pie que debe enfrentarse, con resignación y mucha torpeza, a los típicos desafíos que suele plantear el videojuego en el que se inspira. Si bien como adaptación es la que menos nombres y personajes toma, sí que acaba siendo el más fiel al espíritu original. Además, se nota que su director es fan tanto de los juegos como del buen cine de terror, ya que las referencias a los clásicos del genero son abundantes. Un cúmulo de factores que convierten este largometraje, no solo en una de los mejores traslados del bit al celuloide, sino también en una de las cintas más relevantes de miedo de los últimos años.

Mi puntuación: 8/10

12 horas, 4 películas y una forma de vivir TerrorMolins desde dentro

Doce horas, una sala y una única norma: aguantar hasta el final.

La Maratón de 12 horas vuelve un año más dispuesta a convertir la noche en una sucesión de cine, gritos, risas, sueño y algo que probablemente no sabremos contar al día siguiente. Uno de los grandes clásicos del festival vuelve este 2026.

¿Preparado para llegar hasta el final?

⚠️ Si has adquirido el Abono Festival, ya puedes hacer el canje de tu entrada para el Maratón 12 h antes de la apertura de la venta general.

🧨 Para el resto, las entradas estarán disponibles en 24 horas, y creemos que no van a durar mucho. Haz sitio en tu calendario, prepárate mentalmente y activa las alertas.

ENTRADAS A LA VENTA JUEVES 24 SEPTIEMBRE A LAS 12h

Spider-Noir (Miniserie)

Lo que en principio nació como una serie, tras su cancelación por parte de Amazon se ha convertido en una miniserie. Esto no parece haber representado ningún problema para su creador ni para su protagonista, quienes consideran que una única temporada de ocho capítulos era lo ideal. Y no puedo estar más de acuerdo, ya que esta innovadora propuesta que mezcla superhéroes con cine negro, y que tan bien funcionaba en los cómics, se ha convertido en una de las mejores ficciones de dos mil veintiséis, y alargarla con más entregas no habría mejorado lo ya visto. Además, pese haber llegado a su fin de forma presuntamente prematura, se puede ver sin problema, ya que todas las tramas principales quedan bien atadas, dejando la puerta abierta a nuevos casos, que por lo visto no llegarán.

Cabría destacar dos aspectos clave. El primero es la posibilidad de ver la serie en color o en blanco y negro, y tras probar ambas formas de visualización, sin duda recomendamos la segunda. La inmersión al tratarse de una historia de mafiosos y detectives es más auténtica, provocando una sensación de nostalgia muy estimulante. Y por último, lo más importante, haber contado con Nicolas Cage interpretando un papel que de entrada no parecía hecho a su medida, pero que ha clavado con descaro, soltura y ese punto medio exacto entre la fortaleza y la decadencia que el actor domina a la perfección. En resumidas cuentas, un cúmulo de aciertos que han convertido un experimento televisivo en una serie imprescindible de los últimos años.

Mi puntuación: 8/10

Demencia 13

Debut en la dirección de Francis Ford Coppola con un thriller auspiciado por el que fuera durante décadas representante máximo de la serie B y el cine de explotación: el cineasta, guionista, actor y productor Roger Corman. Gracias a él, también Scorsese, Bogdanovich o Cameron, entre otros, tuvieron la oportunidad de ser presentados en sociedad y abrirse camino en eso del séptimo arte. La demencia en cuestión la sufre una familia tras la muerte de la hermana pequeña, un trauma familiar cuyas secuelas arrastran madre y hermanos; al embrollo se añade una futura herencia. Coppola, autor además del guion y con apenas 23 primaveras, demuestra bisoñez e impericia agravadas por el escasísimo presupuesto en una historia pretendidamente de terror psicológico que se inclina en el último tercio por el gore, dentro, claro, de los límites que permitían la época, 1963, y la generosidad del que ponía la pasta, el señor Corman. Los inicios en un oficio siempre son duros, pero en este caso y por fortuna sirvieron para que ese chaval italoamericano de Nueva York pudiera posteriormente darle al mundo varias obras maestras.

Puntuación @tomgut65: 5/10

La constelación del perro

Los largometrajes postapocalípticos siempre han dado mucho juego en el mundo del cine, y después de la pandemia del COVID-19 era casi inevitable adaptar a la gran pantalla la novela homónima de dos mil doce que parece casi premonitoria, no tanto por cómo se desarrollan los hechos sino por la causa de los mismos. Para llevarla a cabo tenemos a un reputado realizador como Ridley Scott, quien simplemente se deja llevar tras las cámaras aportando muy poco en una película que, si no lo supieras de antemano, podría estar dirigida por cualquiera. Delante de la cámara ocurre más de lo mismo, un reparto genérico y funcional que cumple dando forma a unos personajes cuyos dramas internos se atisban mucho más profundos y relevantes de lo que el guion desarrolla. Y precisamente esta es la mayor flaqueza de esta impoluta y vacía producción, una historia que parece un "copia y pega" de tantas otras parecidas, y que no destaca ni deja huella más allá del somero entretenimiento que acaba siendo. 

Mi puntuación: 5/10

El estrangulador de Boston

Tony Curtis se topó con el papel de su vida al interpretar a Albert DeSalvo, el asesino en serie conocido como “el estrangulador de Boston”, que aterrorizó a la población femenina de esa ciudad los primeros años de la década de los sesenta. Curtis está espléndido, transmite en gestos y miradas el infierno interior que padece su personaje, esos oscuros impulsos que le empujan a matar. La película refleja solo una conjetura, entre muchas, de lo que sucedía en la mente de DeSalvo con suposiciones sobre una posible doble personalidad, cuando la realidad del caso fue, y sigue siendo, más compleja y ha dado lugar a diversas teorías sobre la auténtica responsabilidad de las trece muertes que se le atribuyeron. Aun así, el film reconstruye los hechos con bastante fidelidad, usando recursos en boga en la época de su producción, 1968: pantalla partida y cámara subjetiva, por ejemplo. Cinta cortante, dura y por momentos perturbadora, siempre dentro de la verosimilitud. Una joya que consolidó el género.

Puntuación @tomgut65: 8/10

Marty Supreme

El caos hecho película, esto es lo que encontraremos en esta producción alabada por una crítica especializada cuyo punto de vista no comparto ni de lejos. Cierto es que la interpretación de Timothée Chalamet es digna de elogio, ya que plasmar el errático y odioso comportamiento de semejante personaje tiene mérito. Sin embargo su buen trabajo no compensa las dos horas y media de escenas ininterrumpidas, aceleradas, y en demasiados momentos, inconexas, en las que no se llega a profundizar en las inexplicables motivaciones de su protagonista, ni tampoco en los absurdos sucesos que lo rodean. Da la sensación que el guion se ha escrito sobre la marcha y que se intentan emular las mejores obras de los hermanos Coen, pero sin su gracia innata ni la mínima coherencia narrativa requerida para no resultar confusa o agotadora, al menos para mí.

Mi puntuación: 4/10

Rancho Dutton (1ª Temporada)

Secuela más directa, en forma y, sobre todo, en contenido, de Yellowstone que la también estrenada en dos mil veintiséis Marshals. En esta ocasión seguiremos las andanzas de la pareja más carismática de la serie original en su periplo por Texas montando un rancho con las "típicas" adversidades, entre mafiosas y delictivas, que por lo visto ello conlleva. Como fichajes rutilantes tenemos a las estrellas del viejo Hollywood Annette Bening y Ed Harris, quienes están en su madura y sesuda línea interpretativa, junto a otros de menor renombre. Entre ellos se encuentra el hijo asimilado de la familia, con bastante trama propia y que sirve como enlace o excusa para introducir otros personajes de menor relevancia.

A lo largo de nueve episodios, que suelen rondar los cincuenta minutos de duración, esta primera temporada sabe qué riendas debe tomar para seguir el camino que tan bien funcionó en el pasado. A diferencia de la anteriormente mencionada, protagonizada por Kayce Dutton, esta no rehúye de sus raíces, todo lo contrario, se aferra a ellas reinventando y reciclando fórmulas ya conocidas, por lo que las situaciones y referencias familiares son continuas. Además, en cada capítulo ocurren un sinfín de acontecimientos culminando en algo relevante o dramático, lo que ayuda a que el rodeo narrativo no decaiga. Eso sí, como no estés al día de este mundillo vaquero, es posible que no te enteres de muchas de las cosas que pasan o que no te enganche como cabría esperar.

Mi puntuación: 7/10

Calabuch

Entre el 1953 y el 1963 el genial Luis García Berlanga legó al cine español varias obras maestras: “Bienvenido, Mister Marshall”, “Los jueves, milagro”, Plácido o El verdugo. Cuatro maravillas entre las que intercaló una quinta en 1956 con el nombre por título de un pueblo costero imaginario, Calabuch, que era en realidad el castellonense Peñíscola. Berlanga elaboró una alegoría que idealizaba la vida en una pequeña comunidad de gente corriente, solidaria y apegada a sus tradiciones; un entrañable cuento pacifista en el que un personaje que ha contribuido a la guerra busca la redención y la paz alejado del mundo entre personas ajenas al militarismo y la belicosidad. Cinta coral, tal y como gustaba el ilustre cineasta valenciano, en la que brillan el costumbrismo y el humor candoroso de una fauna humana reconocible por el público como parte de la idiosincrasia española. Con los años la comicidad berlanguiana se iría avinagrando gradualmente, aunque sin perder nunca el fondo ácrata/humanista ni tampoco su carácter propio.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La 45ª edición del TerrorMolins presenta cartel y un primer avance de la programación de 2026

El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2026 presenta la imagen oficial de su 45ª edición y un primer adelanto de la programación de este año. Con el leitmotiv del found footage como eje central, el cartel rinde homenaje a la estética analógica y a las grabaciones malditas a través de una pieza firmada por Axel Almirón. Asimismo, el festival revela una primera lista de 19 títulos que certifican la vitalidad del género a escala internacional, desde el regreso de grandes maestros como Yeon Sang-ho hasta la apuesta por las nuevas miradas queer, el terror urbano y las cinematografías más atrevidas de todo el mundo, además de reafirmar el compromiso por la industria del cine de terror local, con importantes novedades en el Premio Angoixa al desarrollo de cortometrajes en catalán.

Pulsa el Play del terror

El cartel de esta edición toma como eje central el leitmotiv del festival para rendir homenaje al metraje encontrado y a su capacidad única para transformar una grabación cotidiana en una experiencia profundamente inquietante. A través de las cintas VHS, la presencia de la cámara y una estética deliberadamente analógica, la imagen juega con la sensación de estar frente a un material encontrado; una grabación que quizás nunca debería haber sido descubierta. La pieza funciona como una invitación directa a mirar, pero también suelta la sospecha latente de que quizás hubiera sido mejor no hacerlo…

Tadeo Jones y la lámpara maravillosa

Nuestro Indiana Jones patrio vuelve a las andadas, aunque esta vez con más compañía que nunca, ya que arrastra a todos los secundarios de las tres entregas anteriores. Esta saturación de personajes protagonistas provoca que las gracias y los chascarrillos sean constantes, pero también hacen que se ensombrezcan mutuamente. Esto sobre todo afecta a nuestro querido arqueólogo, cuyo protagonismo no remonta hasta el final de la cinta. En lo que a la historia se refiere, tenemos un batiburrillo de ideas conocidas y muy familiares, destacando por encima de todas una inspirada, basada, homenajeada o plagiada de una mítica película de los años ochenta. Yendo al grano, sin sobresalir en originalidad, alcanza su meta de entretener a propios y a extraños de la franquicia, a los niños con soltura y a los adultos por los pelos.

Mi puntuación: 5/10

Ulises

Péplum de los muchos que aparecieron en los años cincuenta y sesenta en los que este subgénero se imponía con gran éxito de público, no tanto de crítica, la diferencia se halla en que su producción era de mayor calado al de la media, tanto a nivel conceptual, una base literaria clásica y prestigiosa, como en inversión económica; la mayor evidencia de ello es que encabezara el casting Kirk Douglas, toda una gran estrella americana, y algunos secundarios, asimismo, de relieve: Anthony Quinn, Rosana Podestà o Silvana Mangano, y se contaran con más medios técnicos o escenográficos de los habituales en ese tipo de productos. Hallamos en el film un Ulises arrogante y temerario que supera los obstáculos con ingenio y mucha fortuna aún a costa de la vida de sus hombres. Ingeniosa y entretenida película, que no desdeña los momentos trágicos, respetando su origen literario por encima, incluso, de lo esperable.

Puntuación @tomgut65: 7/10

Vidas cruzadas (Short Cuts)

Un reparto con un gran número de estrellas noventeras y venideras, un director de moda en su mejor momento y multitud de premios, incluido el León de Oro en Venecia, son avales suficientes como para que una película goce de un mínimo de calidad, o al menos, pueda encandilar a propios y a extraños. En temas de calidad no voy a entrar, seguramente esté muy bien dirigida, el guion toque temas relevantes de manera sugestiva y las actuaciones sean fabulosas, las cuales son lo único destacable y salvable por mi parte.

Pero en lo que a gustos se refiere, personalmente me ha parecido infumable, insoportable, y por momentos, ofensiva. Lo que empieza como una serie de personajes viviendo su día a día se convierte en un cúmulo de perturbaciones sexuales variadas sin pies ni cabeza, abordando traumas de forma burda y, lo que es peor, te deja con la sensación de haber tirado por el retrete tres horas de tu vida. Repito, tres horas en las que te has pasado esperando una mínima revelación o que las supuestas vidas estén realmente cruzadas, y no sean simplemente historias sueltas con una conexión mínima y un exceso de pedantería y tedio.

Mi puntuación: 2/10

Backrooms: Liquidación total

Lo que empezó como una propuesta publicada en un foro fue tomando forma y ganando dimensión, pasando por diferentes fases, hasta convertirse en este largometraje, el cual logra plasmar con acierto su intrigante premisa original. Y es que, desde los primeros compases, el misterio es la seña de identidad de una historia que no solo se centra en marearnos dentro de un infinito laberinto de habitaciones cambiantes, sino que también desarrolla con atino a sus pocos pero interesantes personajes. Sus vidas son clave para entender qué está ocurriendo y cómo, aunque el porqué es algo que queda a la libre interpretación del espectador. Además, esta versión extendida, con quince minutos añadidos tras los títulos de crédito, aporta todavía más material jugoso y un enfoque enriquecedor que bien merece la pena ser visto. Una de las sorpresas del año que demuestra que, muchas veces, menos es más.

Mi puntuación: 7/10

Os reviento

Cine alternativo, del que se denomina habitualmente como independiente y al que los Blogos de Oro dedica sus premios anuales. Hablamos, pues, de ese cine hecho con cuatro euros mal contados y mucha fe inquebrantable para que el director, actores y equipo, sean los que sean, asomen la cabeza en la industria y logren integrarse en ella con todo lo que comporta. Y “Os reviento” es una muestra clara de esa voluntad de hacer género, de acción en este caso, de forma digna y profesional al estilo del Statham de turno, aunque sin disponer de los mismos medios, evidentemente. Algo de drama social, pizcas de comedia, mucha mala baba y tortazos a troche y moche es lo que se ofrece, y con un acabado mejorable, algo comprensible teniendo en cuenta el nivel de la producción. Honesta diversión a raudales, sin sesudas pretensiones.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El super canguro

Al contrario que Armas invencibles, cuya fama y críticas son elevadas, esta comedia familiar de acción de menos renombre y con peores reseñas resulta ser mucho más amena y coherente que la filmada por el inimitable Jackie Chan veinticinco años atrás. Divertida porque la acción es más abundante y variada, quizás menos espectacular, pero constante y ocurrente como de costumbre. Y coherente porque se nota que, pese a contar con un guion realmente sencillo, apenas tiene lagunas y los comportamientos de sus personajes así como las consecuencias de sus actos, están justificados de un modo u otro. Además, otro punto a favor es que es blanca como pocas: no tiene tacos, apenas muestra sangre y tampoco contiene nada que pueda incomodar a un adulto si decide verla con un niño de cualquier edad, lo cual sin duda es muy recomendable.

Mi puntuación: 6/10

Send Help (Enviad ayuda)

Comedia, terror, drama y aventuras se entremezclan en este satírico largometraje que lleva al extremo las relaciones laborales y los prejuicios existentes en ciertos ambientes de trabajo tóxicos. Para lograrlo, solo se necesitan una isla desierta, una correcta realización y un guion que sabe explotar a la perfección los hiperbolizados rasgos de los dos personajes protagonistas. Con estas herramientas, y en un contexto de supervivencia, se desatarán los instintos más elementales del ser humano con los que el espectador podrá identificarse, hasta que se llega a un punto límite donde los giros argumentales y la enajenación mental cogen las riendas. Esta vuelta de tuerca, pese a restar credibilidad a la historia, aumenta la diversión de una película muy recomendable para quienes no se han sentido valorados en sus empleos o como advertencia a quienes menosprecian a sus subordinados.

Mi puntuación: 6/10

Rain Man

Se dice en los mentideros que interpretar a un discapacitado proporciona buenos réditos y reconocimientos a cualquier actor o actriz que afronte tal reto. Eso mismo se podría decir de Dustin Hoffman cuando encarnó al autista Raymond Babbitt en esta película, no en vano se llevó gracias a ese papel la preciada estatuilla dorada hollywoodense. La premisa se acerca bastante a la realidad, no obstante Hoffman ganó merecidamente la figura del calvo llamado Óscar pues su actuación es brillante, más aún, excelsa, muy por encima de cualquier otra parecida, antes o después de la aparición de la cinta en 1988. De hecho, por encima, además, de la propia película, una road-movie convencional con dos personajes dicotómicos que aprenden a entenderse mutuamente: Raymond y su hermano Charlie (Tom Cruise, también notable) forjan una historia de aprendizaje y conocimiento conmovedora y, precisamente por eso, facilona; aunque el espectador sea consciente de ello no podrá evitar unirse al coro emotivo. Lo mejor que ha dado al cine, con diferencia, el director Barry Levinson.

Puntuación @tomgut65: 7/10

El poder del talismán

Curioso que el título mencione un talismán cuando al objeto en la película se le llama continuamente medallón. Esto sin duda es culpa del doblaje, pero solo es una de las tantas incoherencias que contiene este breve largometraje de acción que se toma las cosas con mucha calma a la hora de narrarlas en sus primeros setenta minutos, para luego pegar un acelerón en los últimos veinte, avanzando la trama a toda prisa, cortando escenas para aligerar y cerrando la historia con un "deus ex machina" que no hay por dónde coger. Cabe decir que hasta mi hijo de diez años se dio cuenta de la multitud de errores de montaje existentes en este tramo. Por desgracia, este despropósito ni Jackie Chan es capaz de salvarlo, a quien apenas le dejan lucirse en tres secuencias de peleas, la mayoría con CGI de por medio. En resumen, una película nada recomendable y muy prescindible..

Mi puntuación: 3/10

La asistenta

Los telefilmes de sobremesa alcanzan una nueva dimensión con esta adaptación del best seller homónimo, que hace uso de una intrigante historia y un sugerente trío protagonista para absorber nuestras mentes durante más de dos horas. El drama llevado al extremo y los giros argumentales son las señas de identidad de este largometraje, aunque el grado de sorpresa dependerá de lo avispado que sea cada espectador. Aciertes o no en tus conjeturas, el juego en el que te sumerge es lo suficientemente estimulante como para mantener la tensión y entretener mientras el tiempo vuela hasta un nada decepcionante clímax. Cine de consumo que ambos sexos pueden disfrutar con sumo agrado. 

Mi puntuación: 6/10

La hora final

Un rutilante cuarteto de estrellas -Gregory Peck, Ava Gardner, Anthony Perkins y Fred Astaire- protagonizaron un film apocalíptico en el peor momento de la Guerra Fría, no en vano tres años después de la aparición de la obra, 1959, el mundo estuvo al borde del abismo con la crisis de loa misiles en Cuba. El film, dirigido por el competente Stanley Kramer, sitúa la acción en Australia, la única parte del mundo que aun sobrevive a un holocausto nuclear, pero condenada a que en unos pocos meses la radiación letal alcance la isla y acabe con los últimos seres humanos de la Tierra. Varios personajes afrontan la coyuntura a su manera, desde el máximo fatalismo, por lógica, hasta el hedonismo desatado para disfrutar todo lo posible de los días que restan.

La verdad es que la película no logra encoger el corazón de la audiencia, su tono es algo frío y desangelado, además unas cuantas escenas de emotividad desaforada no ayudan demasiado, pero hay que reconocer que el planteamiento argumental tiene una fuerza intrínseca considerable, la suficiente al menos para que se mantenga la expectación en todos de sus más de ciento treinta minutos. No estamos, en todo caso, ante una exhibición de imágenes epatantes con las que exacerbar la paranoia del público de la época, si no del retrato psicológico de unas personas que han de afrontar el fin propio y el del mundo en términos absolutos. Acertada obra que en otras manos no tan consideradas sería un productito para excitar terrores preexistentes.

Puntuación @tomgut65: 6/10

El diablo viste de Prada 2

Cuando la primera parte parecía haber caído en el olvido, veinte años después la han resucitado en un ejercicio de inmovilismo narrativo que sigue por los mismos derroteros glamurosos de su predecesora, aunque en esta ocasión las tramas resultan más comedidas, menos romanticonas pero igual de intrascendentes. Esto no impide que si has visto la anterior, sientas un mínimo de nostalgia y apego por unos personajes cuyas vidas no parecen haber evolucionado demasiado. Justamente el elenco que los interpreta es el mayor reclamo de esta secuela, ya que han logrado mantener las principales caras conocidas y les han dado una cantidad equitativa de protagonismo para evitar guerras de egos. La consecuencia es más de lo mismo, aunque no mejor, pero con una historia tan blanca y afable que se puede disfrutar de forma segura y efímera.

Mi puntuación: 5/10

Mini crítica de "El diablo viste de Prada".

Spider-Man: Brand New Day

Las consecuencias de los multiversales acontecimientos de Spider-Man: No Way Home son el eje central de esta nueva entrega de las aventuras/desventuras de Peter Parker, por lo tanto es indispensable, no solo haber visto la anterior película, sino también tenerla bastante fresca para no perderse. Y es que si en otros largometrajes del UCM la historia se puede seguir de soslayo para simplemente disfrutar de la acción y del espectáculo visual, esta vez lo que nos cuentan es primordial, y sobre todo, lo que sienten sus personajes, en especial un Hombre Araña más desubicado, perdido y solo que nunca. Un enfoque diferente dentro del género de superhéroes que funciona de maravilla, y que pese a las casi dos horas y media de duración que tiene, logra mantener al espectador en vilo gracias a los momentos emotivos que se suceden de forma ininterrumpida e in crescendo hasta alcanzar un desenlace que deja nuevos nombres e incógnitas que pueden dar mucho juego en el futuro.

Mi puntuación: 7/10

Cronología completa del Universo Cinematográfico Marvel

Armas invencibles (Police Story)

Una de las películas mejor valoradas del actor y, en este caso, también codirector Jackie Chan, es a su vez una de las más decepcionantes. En producciones de esta índole no esperas una historia trabajada o profunda, pero en este caso el relato naufraga por culpa de multitud de agujeros de guion. Tampoco buscas grandes interpretaciones, ya que la sobreactuación es lo habitual y, de hecho, hasta tiene su encanto. Lo que es imperdonable es que, en una cinta de acción, apenas haya acción. Al principio hay una escena bastante larga y al final otra realmente espectacular; pero entre medias, salvo alguna "peleilla" puntual, solamente hay paja narrativa que deambula entre la comedia simplona y los chanchullos mafiosos que, sinceramente, se hace muy cuesta arriba. Aun siendo una pena, seguiremos confiando en el bueno de Jackie.

Mi puntuación: 3/10

The Bear (4ª Temporada y Temporada final)

Podríamos englobar las dos últimas temporada en una sola, y así ha sido, ya que si bien la cuarta se desarrolla a lo largo de varios meses en una frenética cuenta atrás, la quinta empieza el día después del último capítulo de la anterior. Prácticamente sucede en tiempo real durante tres turnos de una de las noches más caóticas, problemáticas y, sin duda, divertidas de toda la serie. En total, ambas suman dieciocho episodios, varios de ellos los mejores de esta ficción, que conducen a su conclusión del mejor modo posible y por todo lo alto.

Los tremebundos dramas que vivimos en entregas previas han quedado de lado, dando paso a lo primordial: el restaurante y todo lo que lo rodea. Preparar platos, servirlos, organizarse, reducir tiempos, hacer más con menos, lograr la conciliación familiar y laboral... se suceden un sinfín de situaciones realistas y muy humanas. Por supuesto, al tratarse del cierre de la serie, el futuro de sus protagonistas es otro de los temas principales. Si bien quedan detalles en el aire, de un modo u otro todos eligen su camino, y seguro que pocas personas quedarán decepcionadas con el resultado. Por cierto, hay un capítulo especial de una hora llamado "Gary" que es necesario ver entre las dos temporadas: un flashback protagonizado por dos de los personajes más carismáticos en el que afloran todo tipo de sentimientos.

Una despedida de cuatro tenedores donde las emociones que presenciamos dentro de la pantalla nos empapan fuera de ella, convirtiéndose en la mejor parte de una premiadísima serie difícilmente repetible.

Mi puntuación 4ª Temporada y Temporada Final: 8/10

Mi puntuación Serie completa: 7/10

A Working Man

Para muchas personas, el simple hecho de ver a Jason Statham en pantalla repartiendo leña ya es suficiente para pasar un buen rato y darle un aprobado. Sin embargo, a veces esto no es suficiente y debemos exigir un poquito más a quienes le montan su particular y violento patio de recreo. Y es que este largometraje de acción goza de una coherencia narrativa cogida con pinzas y un desarrollo de acontecimientos que no se sostiene por ningún lado. El protagonista debe salvar a una chica, y como es de esperar, por el camino reventará todo lo que se le ponga por delante, aunque menos de lo esperado, todo sea dicho. El problema radica en que las oportunas casualidades, los comportamientos ilógicos de los villanos y la inexplicable divagación en algunas situaciones son los medios usados para mantener la tensión. Esto alarga la trama de un modo tan artificial que te acaba sacando de la película.

Mi puntuación: 3/10

Un fantasma en la batalla

Producida por y para Netflix, refleja la dureza sangrienta de aquellos años de plomo en los que los terroristas etarras golpeaban sin miramientos cualquier objetivo que consideraran adecuados para sus fines. Susana Abaitua interpreta con solvencia a la guardia civil que logra introducirse en el aparato de la banda, y el elenco de secundarios reflejan adecuadamente la irrespirable determinación fanática que impregnaba a esos militantes que tenían la violencia como método de una supuesta lucha por la libertad de “su pueblo”.

Si bien es algo inferior a la coetánea La infiltrada, no cabe menoscabar el esfuerzo de su director, Agustín Díaz Yanes, por reconstruir lo que significaba vivir en la clandestinidad y eludir las sospechas que podían amenazar la operación y, sobre todo, la vida de la agente infiltrada; encomiable como transmite la angustia y la tensión que implicaba vivir día a día con esa espada de Damocles sobre la cabeza. Esperemos que el cine español reincida en esta temática y que sirva para que la sociedad actual, y la del futuro, no olvide -que parece estar olvidando- lo que sucedió en esos casi sesenta años de existencia de ETA y los más de 850 muertes y miles de víctimas que dejó tras de sí.

Puntuación @tomgut65: 6/10

Duro de matar

No, no es la versión latina de Jungla de cristal, "Duro de matar" es la libre traducción de "Rumble in the Bronx", es decir, pelea, alboroto o reyerta en el Bronx, sustantivos mucho más adecuados para definir esta película del carismático Jackie Chan. El pobre solo quiere ayudar en un supermercado pero es un imán para los problemas y acaba enfrentándose a toda clase de maleantes y sicarios, quienes reciben su coreografiado merecido con varias de las mejores escenas de acción de su carrera. En menos de noventa minutos hay espacio para el drama con niño minusválido de por medio, su hermana malota que quiere enderezar su vida, negocios familiares ruinosos, mafiosos que trafican con diamantes, bandas callejeras con buen fondo y, por encima de todo, un no parar de divertidísimos combates multitudinarios y acrobáticos. En tres palabras: distendida, desenfadada y desenfrenada.  

Mi puntuación: 7/10

Alguien voló sobre el nido del cuco

Una delgada línea separa la rebeldía de la locura, línea marcada por una sociedad reacia a aceptar a los inadaptados, los que no entran en los parámetros de la normalidad. McMurphy (Jack Nicholson) es esa locura del rebelde, y la enfermera Ratched (Louise Fletcher) el tope que pone el sistema a los indisciplinados. El enfrentamiento sucede en un hospital psiquiátrico, en realidad una prisión para quienes se salen de esas normas establecidas, en una película dura, muy dura en su tercio final, pero un canto al libre albedrío en los dos primeros. Si bien en todo momento el trasfondo es amargo, con esos personajes recluidos a la espera de la cura de sus mentes “enfermas”, la llegada de McMurphy y sus ansias de libertad será un nuevo rayo de esperanza que, por supuesto, la Srta. Ratched habrá de aplacar sin piedad. Impresionantes Nicholson y Fletcher, ambos ganaron el Óscar por sus interpretaciones, y no menos estupendos los secundarios, o sea, los locos que pueblan el centro, y el desenlace es de los que permanecen en la memoria para siempre. El coste de ser diferente sigue costando tanto o más que en aquel año 1975 en el que se rodó la cinta.

Puntuación @tomgut65: 8/10

La máscara

Mil novecientos noventa y cuatro es el año que catapultó al estrellato a Jim Carrey con los estrenos y números uno en taquilla de tres de las comedias más exitosas y conocidas de la historia: "Ace Ventura, un detective diferente", Dos tontos muy tontos y la que nos ocupa, la cual también nos presentó a otra estrella en ciernes, Cameron Diaz. La fórmula para triunfar no podría ser más sencilla y adecuada para su actor protagonista: un elemento místico que le permite llevar su inimitable estilo de sobreactuación a un nivel superior, ya que, cuando sus muecas innatas no son suficientes, los efectos especiales las potencian para deleite del público y desesperación de sus ficticios compañeros de pantalla. Un largometraje rabiosamente divertido que, una vez que arranca, no echa el freno en ningún momento y que se puede definir con una sola e icónica palabra: ¡chispeante!

Mi puntuación: 7/10

La odisea

El espíritu de las superproducciones que poblaban las salas a mediados del siglo veinte, con el "peplum" como máximo exponente, ha vuelto por la gracia y el talento del infalible director y guionista Christopher Nolan, quien nos brinda este espectacular largometraje al que solo se le puede achacar una cosa: la falta de fidelidad histórica. Pero si dejamos de lado los prejuicios y aceptamos que la libertad creativa existe, poder disfrutar de esta titánica obra en una sala de cine es un gusto que cualquier amante del séptimo arte debe darse. Una epopeya rebosante de épica, un sensacional reparto lleno de caras conocidas y efectos especiales artesanales al servicio de la historia, todo ello englobado en tres fugaces horas que se hacen cortísimas. Se podría haber rodado de otro modo, en una época diferente o con un equipo distinto, pero hacerlo mejor es complicado.

Mi puntuación: 8/10

Mini crítica por @tomgut65

Christopher Nolan se marca otra obra colosal con la adaptación del clásico poema épico de Homero que ya ha sido llevado a la pantalla, en su totalidad o parcialmente, en otras ocasiones, como la muy reciente El regreso de Ulises de Uberto Pasolini. Nolan tras la coartada de la mitología da un repaso a las grandes cuestiones de la Humanidad: la vida y los ritos de paso hacia la muerte; el amor como concepto general que engloba a la esposa, a la descendencia, a la patria, a su gente y a lo que significa la civilización griega; la valentía, el honor y la fidelidad a una causa aun pudiendo estar equivocada y, por derivación de ésta última, a las consecuencias de la guerra, la violencia y los remordimientos que conllevan. La cinta es visualmente deslumbrante, la narración es a su vez asequible, de fácil seguimiento, a pesar de los saltos continuos en tiempo y espacio se ajusta convenientemente al poema original, aunque algunos detalles no menores juegan a la corrección política de modo innecesario. La conclusión está clara: grandiosa y rutilante sin ser a todas luces lo mejor que ha hecho Mr. Nolan.

Puntuación: 7/10 

The Boys (Temporada final)

Esta locura que empezó en julio de dos mil diecinueve llega a su fin en una quinta temporada que no decepcionará a sus fans más acérrimos, y como era de esperar, todo gira alrededor de Patriota, sus delirios de grandeza y el modo de pararle los pies. A lo largo de los ocho capítulos que tienen para intentarlo, la crítica feroz a la sociedad y a las políticas capitalistas, concretamente la estadounidense, es constante y despiadada, construyendo un mensaje donde el miedo es la principal arma para transmitirlo.

Más allá de la sátira hiperbólica, otro de los objetivos de esta última entrega es despedir, de un modo u otro, a un buen número de personajes, haciéndoles pasar a mejor vida de manera figurada o literal. Casi se puede asegurar que los seguidores de esta ficción no quedarán decepcionados con un desenlace justo, prácticamente sin fisuras y, si así lo deciden quienes mandan, lo suficientemente cerrado como para que no haya necesidad de secuelas. Después de tantos años, es una pena no poder seguir disfrutando con las vaciladas de Carnicero, el buenismo de Hughie, la miseria de Profundo, las puyas de "los chicos" o la falta de autoestima del hombre más poderoso del mundo.

Aun así, lo que nos queda para la posteridad es una producción que por suerte no se ha cortado un pelo a la hora de mostrar violencia desmedida, perversiones sexuales y superpoderes estrambóticos; un mundo formalmente a años luz de distancia del nuestro, pero que a nivel moral, por desgracia, no está tan alejado.

Mi puntuación Temporada final: 7/10

Mi puntuación Serie completa: 7/10

La vanguardia del cine fantástico desembarca en Sitges 2026

El director artístico del Festival de Sitges, Ángel Sala, y la directora de la Fundación, Mònica Garcia i Massagué, han presentado esta mañana en la Fàbrica Moritz un primer avance de la 59.ª edición del festival líder mundial de cine fantástico.

La 59.ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se celebrará del 8 al 18 de octubre y reunirá una amplia selección de títulos que reflejarán el excelente momento que vive el género, con propuestas de la escena nacional e internacional. La programación se completará con la recuperación de grandes clásicos del fantástico, una incursión en el fantástico asiático y un homenaje al cine español, poniendo en valor su contribución al género.

Este año, el Festival rinde homenaje a Carrie, la película dirigida por Brian De Palma y basada en la exitosa primera novela de Stephen King, que celebra su 50.º aniversario. Una obra maestra del cine de terror que continúa resonando en el imaginario colectivo y a la que este año se homenajea también en el cartel de Sitges, inspirado en el icónico baño de sangre que marca el clímax de la película.

Carrie, la eterna heroína maldita, monstruosa si es necesario, pero profundamente humana, transformó para siempre la manera de entender el cine de terror. A través del aislamiento y la humillación sufridos por una adolescente de dieciséis años con poderes telequinéticos, la película muestra las grietas de una moral opresiva que acaba convirtiendo a la víctima en monstruo. Bailes de graduación, poderes psíquicos y violencia fueron la antesala del cine de terror de los años ochenta.

Cincuenta años después, Carrie regresa más vigente que nunca en una edición que sitúa en el centro la mirada sobre la infancia y la adolescencia malditas. Coincidiendo con este aniversario, el Festival presentará una espectacular restauración en 4K de la obra maestra de Brian De Palma.